LA CENA DE LOS ACUSADOS

Green Zone: Distrito protegido

2010-03-19T07:21:00.004+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Paul Greengrass
INTÉRPRETES: Matt Damon, Jason Isaacs, Amy Ryan, Brendan Gleeson, Greg Kinnear.

Tras el éxito de las películas de la saga protagonizada por el personaje de Jason Bourne, principalmente por las dos últimas realizadas por el dúo conformado por el director Paul Greengrass y el actor Matt Damon, no es de extrañar que los productores de Green Zone se hayan lanzado a promocionar esta película recordando al público las trepidantes aventuras del espía amnésico. De hecho, en el trailer del film jugaban al equívoco con el espectador afirmando conveniente y solemnemente que 'Bourne se hace épico', como si ambas películas tuviesen algo que ver más allá de una nueva colaboración entre el actor y el director.
Sin embargo, al margen de las similitudes estilísticas propias del realizador, la saga de Bourne y Green Zone mantienen muy pocos puntos en común.
Tomando el premiado libro de Rajiv Chandrasekaran, ex-director de la oficina del Washington Post en Bagdad, Vida imperial en la Ciudad Esmeralda como punto de partida, Greengrass y su guionista Brian Helgeland (Mystic river, L.A. Confidential) conforman un trepidante thriller en el que fabulan sobre las causas que llevaron a la invasión de Irak en 2002 por parte del ejército estadounidense y, más concretamente, la búsqueda de las armas de destrucción masiva cuya supuesta existencia puso el gobierno de George Bush Jr. como excusa para dicha invasión.
Bien es cierto que este hecho es utilizado por Greengrass y su equipo como una suerte de McGuffin más propio de Hitchcock para conformar un thriller frenético en el que la crítica política sirve más como añadido de la trama que como un aspecto importante de la misma.
Las armas de destrucción masiva, la corrupción, los intereses económicos y políticos, la crítica a una guerra sin sentido (como todas al fin y al cabo) son sólo el fondo sobre el cual asentar una trama protagonizada por un soldado corriente, un tipo cualquiera que sólo quiere hacer bien su trabajo y que se da cuenta que todo lo que le habían contado para que estuviera en un país que no es el suyo, jugándose la vida por unos ideales ficticios y por una causa presumiblemente justa, no es más que una farsa orquestada por políticoscorruptos, empresarios sin escrúpulos y periodistas con poca ética profesional.
A lo largo de un metraje que transcurre como un suspitro ante nuestros ojos, Green Zone no nos cuenta más de lo que ya sabemos. Tampoco lo intenta. A estas alturas cualquiera sabe que las causas que llevaron a la invasión de Irak no fueron las que nos intentaron vender. Eso no impide que sirvan para conformar un film de calidad, muy entretenido y espectacular, no exento eso sí de cierta carga crítica, que es capaz de atraparnos desde prácticamente el primer fotograma y no soltarnos hasta que se inician los títulos de crédito. Sólo eso ya vale por sí mismo el abultado precio que pagamos por la entrada.

Corazón rebelde (Crazy heart)

2010-03-19T07:09:00.006+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A
DIRECTOR: Scott Cooper
INTÉRPRETES: Jeff Bridges, Maggie Gyllenhall, Colin Farrell, Robert Duvall.

No es la primera vez ni será la última que el cine norteamericano utiliza al personaje ya clásico del perdedor que ha tocado fondo en su vida y al que se le presenta una última oportunidad de redimirse. Supone la ocasión y el personaje perfectos para conformar uno de esos melodramas centrados en la superación de las adversidades y en el exorcismo de los fantasmas del pasado que, si son realizados adecuadamente, suelen funcionar bastante bien en la taquilla.
En Corazón rebelde Jeff Bridges es Bad Blake, un cantante country venido a menos. Adicto al alcohol, fumador y mujeriego empedernido, su época dorada hace mucho tiempo que ha pasado. Ahora se dedica a realizar largos recorridos en su destartalado coche para poder tocar en pequeños locales e incluso en boleras, cobrando una miseria por cantar sus viejos clásicos ante el poco público que todavía le es fiel. Mientras tanto, se debe conformar con ver en la distancia cómo su jóven aprendiz (Colin Farrell) se lleva la fama, la gloria y el dinero que él, con todo su talento, no ha podido o más bien no ha sabido cómo atesorar.
A punto de tocar fondo, Bad conoce a Jean (Maggie Gyllenhall), una joven periodista de un periódico local a la que le encargan entrevistarle y que descubrirá que tras esa dura apariencia de vieja gloria del country hay mucho más. Él por su parte encuentra en ella un soplo de aire fresco que le hará replantearse su ya de por sí patética vida.
Basada en una novela de Thomas Cobb, Corazón rebelde posee la virtud de no querer escapar de los tópicos que ya conocemos de sobra. Más bien se apoya en lo ya conocido para conformar un drama entrañable, que en ningún momento se adentra en la sensiblería fácil y que evita en la medida de lo posible que su trama derive hacia lo puramente condescendiente o previsible.
Con claras reminiscencias del actor y cantante Kriss Kristoferson y del cantante de country de Gracias y favores con el que Robert Duvall (su aparición en Corazón rebelde no es nada casual) se llevara un Oscar a principios de los años ochenta, el Bad Blake de Jeff Bridges es uno de esos perdedores entrañables que al actor de Los fabulosos Baker Boys, El rey pescador o El gran Lebowski le vienen como anillo al dedo. Quizá por eso no nos extrañe que sea capaz bordar a este patético y resignado personaje con la habilidad y la facilidad que le otorgan el talento y los años que lleva en el oficio.
Con sus defectos y sus tópicos, que los tiene aunque no molesten, Corazón rebelde es un muy recomendable drama musical, un film sobre segundas oportunidades correctamente dirigido y escrito por el debutante Scott Cooper. Puede que el hecho de que esté ambientado en un mundo musical tan poco conocido por estos lares como es el del country eche para atrás a más de un espectador. Sin embargo, esto no debe ser un obstáculo para poder disfrutar en pantalla grande de las habilidades actorales de ese inmenso actor que es y siempre ha sido Jeff Bridges.

Nine

2010-03-18T20:25:00.004+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Rob Marshall
INTÉRPRETES: Daniel Day Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Judi Dench, Nicole Kidman, Kate Hudson, Sofía Loren, Fergie.

Tras años en los que, salvo esporádicas apariciones, el musical había sido relegado de la gran pantalla, en el 2001 el éxito de Moulin Rouge de Baz Luhrmann le abrió de nuevo las puertas a un género que le ha dado al séptimo arte algunas de sus mejores obras. Un año después, la adaptación del musical Chicago realizada por Rob Marshall se alzaba con el Oscar a la mejor película, siendo además un éxito de crítica y de público.
Esto hizo pensar que este género podría tener una segunda oportunidad, lanzándose los estudios a echar mano de Broadway para adaptar aquellos musicales que hubieran tenido éxito en el teatro. De esta forma nos han ido llegando de forma esporádica algunas producciones que no siempre han tenido el éxito esperado. Mientras Hairspray o Mamma Mia! trinunfaban en las taquillas de todo el mundo, adaptaciones como las de El fantasma de la ópera o Los productores se topaban con la indiferencia del público.
Ocho años después de Chicago, Rob Marshall ha vuelto a ponerse al frente de un musical con Nine, adaptación del éxito de Broadway (en una de sus últimos montajes el protagonista fue Antonio Banderas) que a su vez es una adaptación al musical del clásico de Federico Fellini 8 ½ . La historia que se nos cuenta en Nine es prácticamente la misma: un realizador de éxito aunque en horas bajas está preparando la que será su nueva película. El problema es que se encuentra totalmente bloqueado. Es incapaz de escribir una sola palabra. Además, su vida sentimental también es un desastre y las mujeres de su vida (las que están y las que estuvieron) están convirtiendo su cabeza en un polvorín a punto de estallar.
Con esta historia en sus manos (sobre todo por la película en la que se basa) y un grupo de actores de primer orden, Rob Marshall tenía todas las papeletas para elaborar un nuevo éxito. Sin embargo eso no ha sido así.
El principal problema de Nine viene dado por una adaptación teatral que, a pesar del buen recibimiento que tuvo, nunca fue demasiado buena. Si a eso le añadimos el hecho de que prácticamente ninguno de los actores con los que cuenta Marshall tiene experiencia en este género, el director ha tenido que hacer lo imposible para evitar que se noten sus imperfecciones en los números musicales, restándoles el ritmo y la espectacularidad que se supone que deberían tener. Tan sólo los números interpretados por Kate Hudson y Fergie llegan a lucir algo en la pantalla, y a pesar de todo no logran evitar la sensación general de que estamos ante un videoclip alargado.
A excepción de Marion Cotillard, que interpreta a la sufrida mujer del protagonista, ninguno de los actores destaca especialmente en este film. De hecho, se podría decir que más que un casting en condiciones lo que se ha buscado es tener en el film una colección de caras conocidas, lo que a la postre se ha demostrado que ha sido un gran error.
Con una dirección torpe, con una falta de ritmo (lo que es más grave tratándose de un musical) y de profundidad argumental palpable, Nine supone toda una decepción si tenemos en cuenta que era una de las películas más esperadas de la temporada.

Invictus

2010-03-18T20:19:00.004+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Clint Eastwood
INTÉRPRETES: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Patrick Mofokeng, Matt Stern, Julian Lewis Jones, Adjoa Andoh.

A pesar de haber anunciado que se retiraba de la actuación con Gran Torino, Clint Eastwood sigue con el ritmo habitual de rodaje tras la cámara que en los últimos años le ha llevado a estrenar de una a dos películas anuales. De esta forma, hace cosa de un mes llegó a nuestras pantallas Invictus y en breve lo hará Hereafter, film en el que trabajará de nuevo con Matt Damon y que supone (al menos por lo que se conoce del film) su primera incursión en el género de terror.
Basado en el libro de John Carlin Playing the enemy: Nelson Mandela and the game that gade a nation, Invictus deja a un lado buena parte del libro en el que se basa y se centra en la utilización por parte del presidente Mandela del Campeonato del Mundo de Rugby celebrado en su país en 1995, con el fin de aunar la dividida sociedad sudafricana que heredó al asumir la presidencia tras el apartheid.
Tomando como punto de partida este hecho y apoyándose en la carismática presencia de Morgan Freeman, Eastwood y su guionista Anthony Peckham obvian prácticamente cualquier otro factor que pudiera haber contribuido a esa reconciliación nacional a favor de un evento deportivo que supuso el momento más relevante de la difícil labor de Mandela por conseguirla.
De esta forma, el esqueleto argumental de Invictus basa su eficacia en la figura del presidente Mandela y su estrategia, dejando a un lado los conflictos raciales existentes en Sudáfrica, pálidamente plasmados en la trama secundaria que tiene como protagonistas a unos guardaespaldas blancos y negros que están condenados a entenderse y a trabajar juntos. Una trama secundaria que es sin duda la más interesante de la película y que se antoja desaprovechada.
Si bien es cierto que en ningún momento la película deja una mala sensación al espectador, es obvio que estamos ante un film menor de su director. Quizá porque sabe que el guión que tiene entre manos carece de la profundidad de algunos de sus trabajos anteriores, Eastwood plantea un drama deportivo que se antoja demasiado plano y rutinario. Pese a estar rodada con su elegancia habitual, Invictus es un film funcional y obvio cuyas imágenes transitan por la pantalla sin dejar una huella indeleble.
En otras manos y con otros actores al frente, Invictus pasaría por ser una película más, sin embargo gracias a Eastwood y compañía se convierte en una película apreciable (y poco más), una obra menor de un director que ha sido capaz de darnos momentos mucho mejores en una sala de cine. Comparada con la mayoría de las películas que transitan semana tras semana por la cartelera, Invictus es todo un peliculón. Sin embargo, al maestro siempre se le debe pedir algo más.

Avatar

2010-03-18T20:07:00.004+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: James Cameron
INTÉRPRETES: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Giovanni Ribisi, Michelle Rodriguez, Wes Studi, Joel Moore.

Tras la muerte de su hermano gemelo, al soldado Jake Sully le llega la oportunidad de su vida. Postrado en una silla de ruedas, sin movilidad de cintura para abajo, Jake viaja al lejano planeta Pandora para unirse al programa ‘Avatar’ en el que su hermano estaba trabajando y por medio del cual su mente puede ser trasladada a un cuerpo extraterrestre que le permita recuperar el uso de sus piernas.
Al ser militar, el ejército lo emplea para que actúe como agente doble para que de esta forma se gane la confianza de los indígenas locales y les convenza de que deben abandonar su hogar, ya que bajo su poblado existe el mayor yacimiento de un preciado mineral que una gran empresa quiere extraer. Claro que, una vez que se ha infiltrado entre los indígenas y se ha ganado su confianza, Jake acaba identificándose con su cultura y viendo las cosas de una forma muy distinta.

Tras haber dinamitado las taquillas de todo el mundo hace más de diez años gracias a su edulcorada visión del hundimiento más conocido de la historia en Titanic, James Cameron ha vuelto a ponerse detrás de las cámaras con Avatar, un ambicioso proyecto que llevaba preparando desde hace ya bastante tiempo y con el que nuevamente ha hecho reventar la caja.
Conocido por su gusto por las innovaciones tecnológicas, Cameron se ha pasado varios años trabajando en el perfeccionamiento del sistema de captura de movimiento y el de la captura de imágenes en 3D. De esta forma, Avatar se nos ha vendido como una revolución que va a cambiar la forma de realizar y ver el cine. Y una vez se ve el film no cabe la menor duda de que esto (para bien y para mal) va a ser así.
En lo que respecta a los aspectos técnicos, la factura de Avatar es impecable. Cameron y su equipo han conseguido una evolución de los efectos especiales de tal magnitud que en muchos momentos del film logramos olvidarnos que de la mayor parte de lo que vemos en la pantalla no es real. Por otra parte, el director y guionista de películas como Terminator o Mentiras arriesgadas no ha perdido con el tiempo ni un ápice de su buen hacer tras la cámara. Ni la manera en la que planifica las secuencias (especialmente las batallas) ni su sentido del ritmo se han visto mermados después de tanto tiempo sin rodar. Sin embargo…
Sin embargo el problema de James Cameron es y ha sido siempre el mismo: se empeña en escribir los guiones de sus películas. Y es aquí donde Avatar se convierte en lo que podría haber sido y no es, ya que toda esta revolución tecnológica no es más que la base sobre la que se sustenta la nada de una historia mil veces vista y, sobre todo, mucho mejor desarrollada.
Con referentes tan claros como Bailando con lobos, Un hombre llamado caballo, Pequeño gran hombre o El nuevo mundo (la magnífica versión de Terrence Malick de la historia de Pocahontas), la trama de Avatar transita por terrenos más que conocidos, presentándonos unos personajes unidimensionales y una filosofía ecologista de baratillo con la que adoctrinar al espectador.
Previsible y tediosamente plana, la historia que Cameron nos cuenta sólo sirve para que nos venda toda su parafernalia tecnológica. La revolución que tanto se ha publicitado tan sólo se refiere al buen montón de píxeles que inundan la pantalla y que nos ocultan las muchas carencias de un film que en realidad no aporta absolutamente nada al séptimo arte. Pero, claro está, tal y como está planteado el negocio del cine hoy en día las buenas historias no cuentan. Sólo cuenta el sonido de la caja registradora.

Bienvenidos a Zombieland

2010-03-18T19:58:00.007+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Ruben Fleischer
INTÉRPRETES: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone, Abigail Breslin.

Que el género zombie está en plena forma lo demuestra el hecho de que cada cierto tiempo llega a los cines una película en la que los muertos vivientes (o su variante de ‘infectados’) son los protagonistas principales. Films como El amanecer de los muertos, 28 días después (y su secuela) o la prometedora cinta francesa La horde ponen de manifiesto el buen momento de un género que no parece dar signos de agotamiento.
De las dos variantes habituales del género zombie, quizá sea la comedia la menos explotada y, sin embargo, la que más juego da en la pantalla. Una muestra de ello es la divertidísima comedia británica Zombies Party, un film que si bien pasó sin pena ni gloria por nuestra taquilla, gracias su edición de DVD y al siempre eficaz boca-oreja se ha convertido en un film de referencia en el género.
Concebida en un principio para ser una serie de televisión, Bienvenidos a Zombieland es la opera prima del director Ruben Fleischer, realizador llegado del medio televisivo, y supone una divertida y entretenida película en la que lo que menos importa es la cuestión de los zombies.
Con un inicio demoledor (unido a unos titulos de crédito ejemplares a ritmo del ‘For whom the bell tolls’ de Metallica), Bienvenidos a Zombieland nos presenta a Columbus, un don nadie con muy poca o más bien nula capacidad de relacionarse con los demás. A causa de una epidemia de zombies que ha mermado sensiblemente la población mundial, Columbus debe valerse por sí mismo, siempre siguiendo las reglas que él mismo se ha marcado.
Todo cambia para él cuando conoce a Tallahasee, un tipo duro, gamberro, con mal genio (aunque de buen corazón), experto en eliminar zombies de todas las formas posibles y con obsesión por los twinkees. Junto con Wichita y Little Rock, dos timadoras con las que se encuentran por el camino, emprenderán un viaje para encontrar un lugar en el que establecerse y comenzar una nueva vida.
Película de carretera en la que los zombies sólo son un elemento más de la trama, Bienvenidos a Zombieland es un puro divertimento sin pretensiones que si bien no aporta gran cosa al género, sí aprovecha adecuadamente las constantes del mismo para conformar un sano entretenimiento con el que salir de la sala con una sonrisa entre los labios.
Ruben Fleischer imprime ritmo y buen hacer (sin alardes innecesarios) a un film que se asienta en el buen guión que tiene entre manos y en la labor de sus cuatro actores principales, especialmente un Woody Harrelson que se nota que disfruta con un personaje que es todo un caramelo.
Y aunque en su tramo final, precisamente tras un cameo impagable del que mejor no hablar demasiado, Bienvenidos a Zombieland acaba por sucumbir ante una solución tan necesaria como convencional de la trama, es una pequeña concesión que en ningún momento se antoja como una traición al espíritu festivo que impera en todo el metraje. Estamos ante un film gamberro y sin pretensiones, que en ningún momento da un pequeño respiro al espectador y que se disfruta de principio al fin. Y eso es siempre algo que se agradece.

Celda 211

2009-11-17T19:47:00.003+01:00

NACIONALIDAD: España
DIRECTOR: Daniel Monzón
INTÉRPRETES: Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines, Carlos Bardem, Marta Etura, Vicente Romero, Manuel Morón, Luis Zahera.

Un día antes de empezar a trabajar como funcionario de prisiones, Juan se pasa por su nuevo lugar de trabajo para presentarse a los que serán sus compañeros y conocer su lugar de trabajo. Lo que ocurre es que ha elegido un mal día para dar una buena impresión a sus jefes, ya que sufre un accidente que le deja inconsciente casi al mismo tiempo que se produce un motín en la prisión. Atrapado en un lugar hostil, entre hombres que no dudarían en matarlo a la menor ocasión, decide hacerse pasar por un preso más. De esta forma, a base de astucia y arriesgando su vida a cada instante, tiene que aprender a sobrevivir sin que los que le rodean sepan en realidad quién es.
Basada en la novela del mismo nombre del periodista y escritor sevillano Francisco Pérez Gandul, Celda 211 es la cuarta película del director Daniel Monzón (El corazón del guerrero, La caja Kovak). Un tenso y brillante thriller carcelario que supone no sólo la madurez cinematográfica de su realizador sino también la confirmación de que todavía podemos albergar la esperanza de que nuestro cine salga de su acartonamiento habitual.
Entre las muchas virtudes de Celda 211, una de ellas es que no se entretiene en prolegómenos innecesarios y va directa al grano. Desde impactante escena que abre el film hasta el plano final, Daniel Monzón y el guionista Jorge Guerricaevarría no le dejan al espectador ni un solo momento de respiro. Las situaciones se suceden sin que haya tiempos muertos, incluso en los momentos en los que la acción se traslada lejos de la prisión.
Conscientes de que estamos ante un género que posee sus propias y muy marcadas reglas, sus creadores han abordado el género carcelario respetando sus constantes argumentales, aunque añadiendo su sello personal. De esta forma, asistimos a las dosis de violencia desmedida y arbitraria de los presos, a las luchas de poder internas y externas, a la actitud excesiva de algunos funcionarios, al particular código de honor entre los presos o a la mala gestión gubernamental de una situación que se les ha ido de las manos desde un principio por una mezcla de dejadez y de estupidez.
A esto habría que añadirle la brillante utilización en la trama de la siempre peliaguda cuestión de los terroristas etarras, que se convierten en un elemento muy importante de la narración.
Cuestiones argumentales aparte, la elección del casting supone un acierto absoluto. Desde el hasta ahora desconocido Alberto Ammann hasta el más ínfimo de los secundarios, el elenco de Celda 211 no tiene desperdicio. Aunque por encima de todos sobresale un Luis Tosar que se come la pantalla a cada segundo. Su Malamadre es el personaje que marca el ritmo y el tono del film desde el primer momento en que vemos su amenazadora figura. Consigue la difícil tarea de hacer que el espectador empatice con un personaje terrorífico y al mismo tiempo carismático. Un hombre con su propio código del honor, que es capaz de arropar en su seno al protagonista y amenazar con matarlo un instante después.
Brutal, estremecedora y de suspense constante, Celda 211 se convierte por méritos propios en una de las mejores películas españolas en lo que llevamos de año. Una brillante y compleja producción que es capaz de dejar una huella indeleble en el espectador. Y así da gusto ir al cine.

The box

2009-11-17T19:37:00.002+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Richard Kelly
INTÉRPRETES: Cameron Díaz, James Marsden, Frank Langella, James Rebhorn, Gillian Jacobs.

Una familia con apuros económicos encuentra un día un paquete en la puerta de su casa. Dentro tan sólo hay una extraña caja con un pulsador y una nota que les indica que un tal señor Steward irá a visitarlos a su casa al día siguiente.
Un día después y a la hora señalada en la nota, un hombre con la cara desfigurada se presenta como el señor Steward y les hace una oferta terroríficamente tentadora: si pulsan el botón recibirán un millón de dólares. Si no lo hacen, cogerá el dinero, se marchará y no lo volverán a ver.
Sólo hay una pega si es que deciden pulsar el botón: alguien, un desconocido morirá al instante en cualquier lugar del planeta.
A principios de los años setenta Richard Matheson (Soy leyenda) escribió un relato corto titulado Button, button que fue llevado una década después a la televisión en el programa The twilight zone. Ahora, el director Richard Kelly (autor de la película de culto Donnie Darko) es el encargado de trasladar esta historia a la gran pantalla.
Lo primero que habría que aclarar es que el relato corto de Matheson lo que plantea es no sólo el dilema moral que supone el convertirse en asesino a distancia de alguien que no conocemos, sino que además pone de manifiesto alto grado de incomunicación que existe en la sociedad, incluso dentro de la unidad familiar.
A partir de estos dos supuestos iniciales, Richard Kelly elabora un film en el que el suspense deja paso a los elementos sobrenaturales, en una trama que se antoja excesivamente alargada. El dilema moral que se plantea en un principio, pasa ser una historia de ciencia ficción en la que al mismo tiempo que se arrojan nuevas dudas, se intenta explicar más de lo que debiera sobre qué o quién está detrás de esta tentadora y diabólica oferta.
Como suele ocurrir siempre que se adapta un relato corto al cine, los escasos límites de la narración original se suelen alargar, complementar e incluso variar con nuevas opciones que pueden aportar una visión distinta de lo que en un principio su autor había planeado. Sin embargo, lo que se da habitualmente es que el espectador se encuentra con que la historia que le están contando está innecesariamente alargada.
Con lo que nos encontramos al ver The box es que lo que nos quiere plantear Richard Kelly no da para las casi dos horas que dura el film. El director sabe perfectamente crear una atmósfera a ratos malsana y en su mayor parte inquietante, pero estira hasta el límite la trama, adornándola de elementos que lastran el relato y revelando demasiado las incógnitas que plantea, como si la historia en sí lo necesitase.
Extraña por momentos y demasiado convencional en otros, The box es un batiburrillo de convencionalismos que parte de una buena idea. Cabría pensar que en otras manos esta película habría sido distinta e incluso mejor, pero lo más seguro es que hubiera sido mucho más adecuado hacer un cortometraje con este relato.

Ágora

2009-10-16T06:08:00.003+02:00

NACIONALIDAD: España
DIRECTOR: Alejandro Amenabar
INTERPRETES: Rachel Weitz, Max Minghella, Oscar Isaac, Rupert Evans, Michael Lonsdale, Sami Samir, Ashraf Barhom.

Teniendo en cuenta el curriculum de Alejandro Amenábar, no es de extrañar que el nuevo film del director y guionista español haya causado tanto revuelo. En gran medida, las cifras anuales del cine patrio residen en el éxito o el fracaso del nuevo trabajo de uno de nuestros directores mas conocidos a nivel internacional (con el permiso de Almodóvar). Y el sólo hecho de que sea el autor de Tesis o Los otros el que esta detrás de este proyecto, parece augurar que nos encontramos ante el que puede ser el film mas importante de nuestro cine este año.
Dejando a un lado la cuestión de las cifras, tanto en lo que respecta a su presupuesto (cincuenta millones de euros que se hacen notar en la pantalla) como el de la posible taquilla del film, lo que es incuestionable es que Ágora supone un salto al vacío de su director y un importante cambio de registro tras haber coronado su carrera con el Oscar por Mar adentro.
Situada su narración en el S. IV después de Cristo, Ágora centra su mirada en la filósofa, matemática y astrónoma Hypatia de Alejandría. Tomando este poco conocido personaje histórico como centro de la acción, vemos como en la ciudad de Alejandría se van sucediendo los distintos cambios de orden cultural, político y, principalmente, religioso.
El ascenso sangriento y brutal del cristianismo en la ciudad en la que se situaba la biblioteca más grande y conocida del mundo antiguo, se ve enfrentado con el culto del razonamiento en el que se sustenta el pensamiento científico.
Amenábar plantea un conflicto entre ciencia y religión, entre la duda y la creencia firme, que se desarrolla como una lucha de poder en la que todo esta abocado al desastre. Una lucha que enfrenta a los maestros filósofos del ágora que rodea la biblioteca con el creciente e imparable ascenso de una religión en principio minoritaria, que no duda utilizar todos los recursos a su alcance para deshacerse de todo aquello que suponga un peligro para su existencia y que le impida llegar a controlar el poder en la ciudad.
La figura de Hypatia también es utilizada como ejemplo de en qué situación se encontraban las mujeres en la antigüedad. Rara avis para los cánones de la época, Hypatia se resiste en todo momento a unirse en matrimonio, a pesar de que ofertas no le faltan, por el simple hecho de no perder su privilegiado estatus, ya que esto la obligaría a tener que dejar su labor en el ágora.
Amenábar elige premeditadamente no solo no introducir una historia amorosa en la narración (lo que sin duda acentuaría y potenciaría el drama) sino que se separa de la historia que nos esta contando para no involucrarse en el desarrollo de los acontecimientos. Una elección que queda remarcada con esas constantes visitas aéreas tanto de la ciudad como del propio planeta.
Este recurso, que en algunos momentos parece acertado, en otros resulta un tanto arbitrario y repetitivo. De igual forma, ese distanciamiento de la acción le resta intensidad a lo que se nos esta narrando, impidiendo en ocasiones que el espectador termine implicándose en los dramáticos acontecimientos que se desarrollan ante sus ojos.
Fría y un tanto desapasionada, Ágora acaba siendo un film primorosamente realizado y bien interpretado que sin embargo no acaba de transmitir la intensidad dramática que se supone que atesora. Es un film recomendable e incluso se podría decir que valiente en sus planteamientos, pero que en su conjunto deja la sensación de que le falta un poco de alma.

Si la cosa funciona

2009-10-16T05:59:00.007+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Woody Allen
INTÉRPRETES: Larry David, Evan Rachel Wood, Patricia Clarkson, Ed Begley Jr.

Tras su reciente periplo europeo, incluida la mediocre Vicky Cristina Barcelona que rodó en nuestro país, Woody Allen regresa a sus orígenes neoyorkinos con Si la cosa funciona, ácida comedia con la que recupera sus gusto por un diálogo fluido que ayude a desarrollar la narración.
Obligado por su costumbre de estrenar una película por año y acuciado por la huelga de guionistas, Allen ha recurrido en esta ocasión a un guión que escribiera a finales de los años setenta para el fallecido cómico y amigo Zero Mostel (con el que trabajo en La tapadera de Martin Ritt), adaptándolo a la época actual (mínimamente, todo hay que decirlo) y designando al conocido cómico Larry David como protagonista principal.
Comedia sobre las relaciones con un planteamiento algo manido, Si la cosa funciona centra su mirada en Boris, un genio demasiado consciente de serlo, de carácter difícil, lengua viperina y que desprecia a todo aquel que considera inferior en intelecto y cultura. Por circunstancias de la vida, su existencia da un vuelco al acoger en su casa a una chica sureña un tanto paleta aunque de buen corazón que ha huido de su casa.
Gracias a su relación con la joven, conocemos el lado humano de Boris, que actúa como una especie de pigmalión tanto con ella como con sus religiosos padres, que aparecen por separado y en distintos momentos del relato en busca de su desaparecida hija.
Crítica bastante amable tanto de la incultura como de la religión, Si la cosa funciona es en el fondo y en la forma una comedia sobre las dificultades en las relaciones de pareja, que nos devuelve al Woody Allen más inspirado, que sabe dominar el diálogo como nadie y que compone un argumento que no por manido deja de funcionar a la perfección.
Film menor en la filmografía del director de perlas imprescindibles como Manhattan o Annie Hall (por nombrar dos films escritos en la misma época), Si la cosa funciona se apoya no sólo en la construcción de sus diálogos sino también en el buen trabajo de sus actores.
Y aunque Larry David asume a la perfección su rol de maniático y neurótico obsesionado con la muerte en el que hemos podido ver a Allen en más de una ocasión, no se quedan atrás el resto de actores, destacando principalmente Evan Rachel Wood y Patricia Clarkson.
En resumidas cuentas, Si la cosa funciona no es ni de lejos el mejor trabajo del director, actor y guionista norteamericano. Sin embargo, supone el reencuentro con el Allen más inspirado e irónico. Es un divertimento sin pretensiones que se ve con agrado y que no decepciona en ningún momento. A ver si lo repite el año que viene.

Mapa de los sonidos de Tokio

2009-09-15T06:45:00.003+02:00

NACIONALIDAD: España
DIRECTOR: Isabel Coixet
INTÉRPRETES: Rinko Kikuchi, Sergi López, Min Tanaka, Takeo Takahara, Manabu Oshio, Hideo Sakaki.

Que una película como Mapa de los sonidos de Tokio pasara por el Festival de Cannes y lo único bueno que sacara del prestigioso certamen francés fuese un premio técnico dedicado al sonido ya debería avisarnos de que nos encontramos ante un producto intranscendente con un envoltorio bonito.
Y es que la nueva película de la directora Isabel Coixet adolece de los mismos defectos de muchas de las películas con cierto aura de autoría que llegan semana tras semana a la cartelera, es decir, de un exceso de forma y un persistente olvido de que un film necesita un fondo. O lo que es lo mismo: que en la base de una buena película siempre hay un sólido guión que la sostenga.
Ambientada en el Tokio actual, el film desarrolla una relación entre dos personas totalmente distintas que surge de una circunstancia dramática. Una de ellas es un joven español (Sergi López) que posee una tienda de vinos y que mantiene una relación amorosa con una joven japonesa que termina por suicidarse. El padre de la joven, un importante empresario, culpa de este hecho al amante de su hija y por ello encarga que lo asesinen.
La encargada de cumplir este cometido es Ryu (Rinko Kikuchi), una chica de aspecto aparentemente frágil, que trabaja en un puesto de pescado en el mercado y que en ocasiones actúa como asesina a sueldo.
Partiendo de estas circunstancias y estos personajes, Coixet se adentra en una historia que a la media hora de proyección se antoja totalmente vacua y sin trascendencia. Todos los males que aquejan a Mapa de los sonidos de Tokio parten directamente de un guión repleto de lugares comunes y de diálogos demasiado afectados que no llevan a ningún sitio. La carga dramática que supuestamente debería tener la narración se diluye en un ejercicio visual y sonoro autocomplaciente con el que su directora y guionista pretende envolver un film que en ningún momento parece tener un rumbo definido.
Parece más bien como si Coixet hubiese tenido una idea de partida, que en realidad no daba para gran cosa, y la hubiese alargado en el tiempo con la única intención de poder tener la oportunidad de rodar durante unos meses en una ciudad que le fascina.
Por otro lado, la total ausencia de química entre los dos personajes encarnados por Sergi López y Rinko Kikuchi lastra aún más si cabe un film cuya historia central es la supuestamente apasionada relación entre el joven español y la mujer que han contratado para asesinarlo. No ayuda en modo alguno el hecho de que Sergi López esté totalmente perdido en su personaje, ofreciendo una interpretación que únicamente se puede calificar como mediocre.

De todas formas, el problema principal de Mapa de los sonidos de Tokio no radica en sus actores sino en un guión cuya estructura se desmorona a cada fotograma y que se pierde en un ejercicio de estilo que diluye completamente el dramatismo y las emociones que se supone que han de fluir por todas y cada una de las escenas. El problema es que Coixet se ha empeñado en registrar el sonido del humo y al final simplemente lo ha conseguido.

District 9

2009-09-14T21:07:00.006+02:00

NACIONALIDAD: Sudáfrica
DIRECTOR: Neill Blomkamp
INTÉRPRETES: Sharlto Copley, Jason Cope, Nathalie Boltt, John Sumner, Vanessa Haywood, David James, Robert Hobbs.

Los extraterrestres han llegado a nuestro planeta. Y no han aterrizado en cualquier población, grande o pequeña, de los Estados Unidos sino en Sudáfrica y, más concretamente, en Johannesburgo.
Cansados, desnutridos y prácticamente al borde de la muerte, estas criaturas son trasladadas a una parte de la ciudad que con el tiempo acaba denominándose como Distrito 9. Como consecuencia de las diferencias sociales y los conflictos existentes entre los extraterrestres y los humanos, el citado distrito se transforma inevitablemente en un ghetto inmenso, superpoblado, rodeado de medidas de seguridad, en el que los bichos (como así son denominados) sobreviven como pueden.
Partiendo de su interesante cortometraje Alive in Joburg y apadrinado en la producción por Peter Jackson, el director y guionista Neill Bomkamp utiliza el género de la ciencia ficción para trasladar una historia que va más allá del simple film de extraterrestres y que ofrece al espectador una fábula sobre las diferencias sociales y raciales, así como sobre el poder que ejercen las multinacionales en la creación, mantenimiento o eliminación de determinados conflictos, sin importarle las vidas que se lleven por delante mientras esto les reporte beneficios.
Utilizando el recurso del falso documental con el fin de acercar más al espectador a la historia que se le cuenta, Bomkamp desarrolla una narración en la que tienen cabida todos los elementos posibles en este tipo de films, incluyendo un final trepidante, repleto de tiros, explosiones y acción en el que ni tan siquiera en ese momento deja de lado el tema principal de esta historia.
Y es que al fin y al cabo de lo que se trata es de mostrar cómo un hombre lo pierde todo (a causa de unas determinadas circunstancias que tampoco es cuestión desvelar a aquellos que no hayan podido ver la película) y que se da cuenta de que todo en lo que creía estaba equivocado; de que unos seres que despreciaba y que, como funcionario del gobierno, había ayudado a separar y encerrar en un ghetto con insalubres condiciones sienten y sufren exactamente igual que él.
Apoyado en un muy buen guión y sobre todo en la impresionante actuación del hasta ahora desconocido intérprete Shartlo Copley, Bomkamp demuestra que no hay que contar con un gran presupuesto para hacer una buena película. Con el dinero con el que ha contado este director y guionista sudafricano para hacer District 9 no se cubre ni la cuarta parte de la mayoría de los blockbusters que hemos tenido que sufrir este verano (véase la insufrible secuela de Transformers, por poner un ejemplo). Sin embargo, con unos efectos especiales envidiables, unos actores muy bien elegidos y una gran idea bien desarrollada, District 9 le da mil patadas a todos esos films, demostrando que todavía podemos encontrar ciencia ficción de calidad en una sala de cine. Bienvenida sea.

Terminator Salvation

2009-06-16T20:26:00.003+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: McG
INTÉRPRETES: Christian Bale, Sam Worthington, Moon Bloodgood, Anton Yelchin, Jadagrace, Helena Bonham Carter, Bryce Dallas Howard, Common, Jane Alexander, Michael Ironside.

Tras una tercera parte tan entretenida como innecesaria e insustancial, en la que se repetían los mismos esquemas propuestos en las dos primeras entregas rodadas por James Cameron y en la que lo único verdaderamente interesante era el giro argumental que se daba al final, prácticamente nadie pensaba que fuese necesario realizar una cuarta parte de la saga Terminator.
Con Cameron empleando su tiempo en otros proyectos y Arnold Schwarzenegger lejos de las cámaras, los productores de la franquicia sabían que si querían revitalizar esta saga tenían que olvidarse de esquemas preconcebidos (nadie quiere ver más viajes en el tiempo y a John Connor perseguido por otro robot) para, respetando siempre la línea argumental desarrollada en las anteriores entregas, iniciar una nueva trilogía con la guerra contra las máquinas como telón de fondo.
De esta forma, Terminator Salvation nos sitúa en el año 2018. A pesar de todos los esfuerzos, el Día del Juicio Final acabó por producirse. La guerra contra las máquinas ya hace tiempo que está establecida y la resistencia humana lucha por sobrevivir. A diferencia de lo que se nos ha contado hasta el momento, John Connor (Christian Bale) todavía no es el líder de los insurgentes. A pesar de que es un soldado importante dentro de la resistencia, es visto por algunos como una especie de profeta mientras que otros lo ven como un charlatán que sólo busca protagonismo.
Él, por su parte, lo único que quiere es conseguir que la guerra que hasta entonces había querido evitar y de la que siempre había oído hablar a su madre termine de una vez. Pero sobre todo lo que quiere es no romper el círculo temporal abierto por su padre Kyle Reese, al que se ha propuesto encontrar.

Si algo chirriaba con estrépito desde un principio en este proyecto era la presencia en la dirección de Joseph McGinty Nichol, director que suele firmar sus obras simplemente como McG y que es el responsable de las dos insoportablemente infumables entregas de la adaptación de la serie televisiva Los ángeles de Charlie. Sin embargo, los temores iniciales se disipan muy pronto al comprobar que McG se ha dejado las banalidades a un lado y que ha querido realizar un proyecto serio y coherente, muy alejado de sus producciones anteriores.
Con una realización ágil y un guión irregular (sobre todo en lo que respecta a los personajes secundarios) aunque bastante consistente y que enlaza correctamente con la línea argumental propuesta en las anteriores entregas, Terminator Salvation es en definitiva un buen film de acción que, sin ser absolutamente redondo, es una digna continuación y un buen punto de partida para que la saga se revitalice.
Si bien Terminator Salvation no va a entusiasmar a los fans tanto como las dos entregas dirigidas por Cameron, no se puede negar que deja un buen sabor de boca y que abre la posibilidad de que en las próximas entregas esta historia tenga el colofón que merece. Eso sí, siempre que sus responsables tengan el suficiente sentido común como para no desviarse del camino que ellos mismos han empezado a esbozar.

Los mundos de Coraline

2009-06-16T20:17:00.005+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Henry Selick
INTÉRPRETES (VOCES EN LA V.O.): Dakota Fanning, Ian McShane, Teri Hatcher, Keith David, John Hodgman, Jennifer Saunders, Dawn French.

Coraline es una niña que se ha mudado con sus padres a una nueva casa. Allí no conoce a nadie y se aburre soberanamente mientras sus padres, ambos escritores, no le prestan ni la menor atención.
Un día Coraline descubre que en la casa hay un portal que la lleva a un mundo paralelo. Es exactamente igual que el suyo, pero mejor. Sus padres se desviven por ella, sus vecinos son muy amables y simpáticos… incluso el niño insoportable que tanto le molesta es aquí un encanto. Coraline se encuentra muy a gusto en su vida paralela, tanto que vuelve a ella cada vez que tiene la ocasión. El problema es que poco a poco se va dando cuenta de que en aquél idílico mundo paralelo hay algunas cosas que no le cuadran demasiado y que indican que no todo es tan bonito como parece.
Basada en el relato infantil Coraline del escritor británico Neil Gaiman, Los mundos de Coraline es la nueva película del director Henry Selick, responsable de joyitas de la animación como son James y el melocotón gigante y Pesadilla antes de Navidad. Realizada, al igual que las anteriores, con la técnica del stop motion, Los mundos de Coraline nos introduce en una historia que en ciertos aspectos pudiera recordarnos a Alicia a través del espejo. De hecho, el propio relato de Neil Gaiman no oculta en ningún momento esas similitudes, aunque ello no suponga más que un puntual homenaje a la obra de Lewis Carroll.
Dejando a un lado las similitudes entre ambas obras, Los mundos de Coraline supone una experiencia visualmente arrolladora (más si cabe si se ve en formato 3D) aunque es de agradecer que sus virtudes no se limiten únicamente a ese apartado. Muy al contrario, Henry Selick, que además de director también es el guionista, no renuncia en ningún momento al lado más oscuro de esta historia y nos ofrece un guión modélico, encaminado a complacer a un público exigente y que, de un tiempo a esta parte, está mucho más acostumbrado a que las películas de animación presenten un tratamiento inteligente.

Oscura, visualmente atractiva, original, dinámica e imaginativa, Los mundos de Coraline es una nueva demostración de que las películas de animación no tienen nada que envidiar hoy en día a las que se realizan con actores de carne y hueso. De hecho, cada año nos encontramos algún film de este tipo que acaba siendo considerado como uno de los mejores de la temporada y esta nueva joyita firmada por Henry Selick seguramente lo acabará siendo por méritos propios

Señales del futuro

2009-04-17T08:07:00.002+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Alex Proyas
INTÉRPRETES: Nicolas Cage, Chandler Canterbury, Rose Byrne, D.G. Maloney, Lara Robinson, Nadia Townsend.

En un colegio recién inaugurado tienen la idea de enterrar una cápsula del tiempo en la que meter una serie de cartas para que sean abiertas en el cincuenta aniversario de la institución. Pasadas cinco décadas, la cápsula es abierta y entre las cartas encuentran una en la que hay una serie numérica que aparentemente no tiene sentido alguno.
Un profesor de instituto (Nicolas Cage) recibe esa carta de manos de su hijo y en un principio no le hace demasiado caso. Pronto se da cuenta de que la sucesión de números no está realizada al azar sino que encierra una serie de códigos que parecen predecir una serie de accidentes catastróficos tanto en el pasado y como en el futuro. Cuando el primero de los accidentes que según la predicción expuesta en la carta todavía está por llegar sucede delante de él, el profesor inicia una carrera contra el reloj para impedir que todas las predicciones se cumplan.
Cuando el cine de catástrofes parecía prácticamente agotado a base de volcanes, meteoritos, plagas, terremotos, monstruos y alienígenas con ganas de arrasar con nuestro planeta, parece que el género ha vuelto a las pantallas, aunque de momento no con demasiado acierto. Tras la patética revisión del clásico de Robert Wise Ultimatum a la Tierra que se pudo ver (y sufrir) a principios de este año, el siempre interesante y eficaz director Alex Proyas (El cuervo, Dark City) se ha querido unir al género con Señales del futuro.
Con una mezcla de ciencia ficción, trama sobrenatural y film de catástrofes, Señales del futuro nos presenta la que en un principio puede suponer una idea interesante. El punto de partida de este film se antoja lo suficientemente estimulante para pensar que, en manos de un director tan competente como Alex Proyas, al menos nos podemos encontrar con un blockbuster entretenido, bien narrado y bien realizado.
No se puede negar que Proyas es capaz de mantenernos interesados por esta historia, al menos durante la primera parte del film. Como de costumbre sabe cómo mantener la tensión del espectador y cómo filmar secuencias de acción tan espectaculares e impactantes como las del accidente de avión y la del tren. Sin embargo, tiene en su contra un par de factores que juegan en su contra.
Para empezar, cuenta con un actor principal totalmente inadecuado para el personaje. Nicolas Cage hace ya mucho tiempo que no es un actor, sino que más bien es un compendio de muecas sobreactuadas que no logran transmitir la menor sensación. Eso es algo que se deja ver sobre todo en los momentos de más dramatismo, en los que su expresión se acerca más a la de un besugo en la pescadería que a la de un actor galardonado con un Oscar.
Lo del guión ya es otro cantar. Mientras que la primera parte del film transcurre con un ritmo envidiable, a mitad de metraje la narración no sólo no aguanta ese ritmo sino que va decayendo al mismo tiempo en que lo sobrenatural se va adueñando de la trama. Lo peor de todo es que en los minutos finales todo lo visto hasta el momento deriva hacia unos derroteros que se asientan en el ridículo más espantoso.

Con todo, no se puede negar que Señales del futuro es un film salvable en algunos aspectos, sobre todo gracias a la pericia de su realizador. Sin embargo, es una pena que una idea con tanto potencial haya quedado reducida a esto.

Gran Torino

2009-03-16T22:11:00.002+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Clint Eastwood.
INTÉRPRETES: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her, Brian Haley, Geraldine Hughes, John Carroll Lynch, Brian Howe, Dreama Walker.

Walt Kovalski es un tipo duro. Un antiguo combatiente de la guerra de Corea, mecánico de automóviles jubilado, viudo, cascarrabias, racista y con una lengua viperina capaz de soltar contundentes latigazos en forma de frases. Walt Kovalski es todo un personaje. O más bien es una combinación de una buena parte de todos aquellos personajes que Clint Eastwood ha interpretado en su dilatada carrera.
Mucho se ha hablado de la que más que posiblemente es la última actuación de uno de los grandes actores y directores de todos los tiempos. Quizá de eso y no de las virtudes de Gran Torino es de lo que más se ha comentado antes de su estreno. Y es que la sombra de Clint Eastwood es demasiado alargada incluso en este film en el que todo destila a honorable despedida.
Para aquellos que saboreamos con delectación cualquier nueva película del director de obras como Sin perdón, Mystic river o Million dollar baby, la llegada a la cartelera de su nuevo film siempre es una gozosa buena nueva. Y no porque esto suponga que nos vayamos a encontrar necesariamente con otra obra maestra, sino más bien porque sabemos a ciencia cierta que cualquier película menor venida de sus manos es mucho mejor que buena parte de los films que se estrenan semana tras semana en la cartelera.
Seamos justos: Gran Torino no es una película redonda. Y no lo es en buena parte porque es en ciertos aspectos previsible y autocomplaciente. Sin embargo eso no le resta un ápice de interés a este relato sobre la redención de un hombre que ve como la mujer que quería se ha ido y con ella todo lo que daba algo de sentido a su vida. Que ve como sus hijos no son capaces de comprenderle (él tampoco es que ayude demasiado) y sus nietos lo único que quieren de él es heredar lo poco que le queda. Que ve como su barrio, tal y como él lo conocía, ha cambiado y sus vecinos se han ido yendo a otra parte. Y que ve como lo único que le queda es su jardín, que cuida a diario para que no se estropee y la fiel compañía de una perra que es tan vieja como él y con la que le es más fácil confesarse que con el joven párroco que lo visita más de lo que él quisiera.
A pesar de su carácter agrio, su hosquedad y su mala leche, el Eastwood actor es capaz de hacernos comprender las interioridades de este hombre, de mostrarnos sus imperfecciones, sus temores, su lado más humano. Y también es capaz de hacernos aceptar con una sonrisa cargada de cierta nostalgia su redención gracias a unos vecinos asiáticos a los que en un principio detesta y en los que encuentra una inesperada familia que lo acoge en sus últimos momentos como si fuese uno más de ellos.
Poco importa que la narración de Gran Torino transcurra por ciertos lugares demasiado comunes y que las interpretaciones de algunos actores, quizá a causa de un mal doblaje, no estén a la altura de las circunstancias. Clint Eastwood es capaz de hacernos olvidar de un plumazo todos esos detalles gracias a lo grande que es tanto delante como detrás de la cámara. Es por él que Gran Torino vale (y mucho) la pena.
Mal que nos pese, Gran Torino es un hermoso canto del cisne de un grandísimo y veterano actor que se nos marcha de la pantalla. Al menos nos queda el consuelo de seguir teniendo la oportunidad de disfrutar de su oficio y su buen saber hacer tras la cámara. Algo es algo.

Watchmen

2009-03-16T22:05:00.003+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Zack Snyder
INTÉRPRETES: Jackie Earle Haley, Billy Crudup, Patrick Wilson, Jeffrey Dean Morgan, Malin Akerman, Matthew Goode, Carla Gugino. Matt Fewer, Stephen McHattie, Laura Mennell.

Durante muchos años, la traslación cinematográfica de la obra magna de Alan Moore y Dave Gibbons se consideró prácticamente una utopía. Varios guionistas y directores trabajaron infructuosamente en el proyecto de intentar llevar a los cines con la suficiente fidelidad unas páginas que contienen un alambicado y complejo relato, en el que sus historias paralelas y al mismo tiempo complementarias hacían casi imposible plasmarlo todo adecuadamente, primero en un guión y luego en la gran pantalla. Es por ello que cuando se le encargó a Zack Snyder (300) la realización de Watchmen y el proyecto se puso en marcha, la satisfacción de los fans del cómic (o novela gráfica, que cada cual lo denomine como quiera) corrió paralela a las muchas dudas que planteaba el propio proyecto.
Una vez estrenada la película en los cines la pregunta que cabría plantearse es si Snyder y su equipo lo han conseguido. Y la respuesta tendría que ser inevitablemente que no, aunque habría que hacer algunas matizaciones.
Partiendo de la base de que una adaptación fiel de la obra de Moore y Gibbons es cinematográficamente inviable según los parámetros cinematográficos actuales, ya que estaríamos ante un poco comercial película de varias horas, los responsables de Watchmen han optado por la simplificación del relato, dejando a un lado una serie de tramas y subtramas colaterales a la historia principal o reduciéndolas a la mínima expresión. Esta comprensible reducción de la narración original con la intención de que quede transformado en un formato accesible para el gran público hace que se pierda buena parte de la idea esencial del original, quedándonos un reflejo demasiado plano de lo que Moore y Gibbons plantean.
Aun así, no nos engañemos. Cabe reconocer que Snyder ha hecho la mejor adaptación posible de una obra que quizá en su versión extendida (de unas cuatro horas, según apuntan todos los rumores) pueda pulir todas esas carencias que se observan en un primer visionado en los cines.
Porque Watchmen es un buen film, aunque no la gran película que se podría esperar.
Una película que no es de superhéroes o al menos no una película de superhéroes al uso. Esto es algo que habría que puntualizar, sobre todo para aquellos incautos que se acerquen al cine pensando que se van a encontrar con algo similar una nueva aventura de Spider-Man, de Superman o de Batman, porque más bien es todo lo contrario. Ya desde el relato original, Watchmen es una reformulación de la idea del héroe enmascarado y, sobre todo, una reflexión casi filosófica sobre la existencia de un ser superior a nosotros, sobre la fragilidad del tiempo y sobre la condición humana.
Dejando a un lado las inevitables comparaciones, el Watchmen de Zack Snyder es un oscuro y violento relato que posee un buen ritmo narrativo y que se deja ver con facilidad a pesar de que se alarga hasta casi las tres horas de proyección. No es, con mucho, una obra redonda, pero sí que es un buen film, una adaptación bastante fiel de una obra absolutamente indispensable.

El curioso caso de Benjamin Button

2009-02-14T10:33:00.002+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: David Fincher.
INTÉRPRETES: Brad Pitt, Cate Blanchett, Julia Ormond, Taraji P. Henson, Jason Fleming, Jared Harris, Tilda Swinton, Elias Koteas.

Benjamin Button llega a este mundo en circunstancias que están fuera de lo normal. Aunque su anatomía es la de un niño recién nacido, su cuerpo presenta todas las características y los achaques de un anciano de más de ochenta años que se encuentra al borde de la defunción.
Abandonado por un padre que se avergüenza de su existencia, Benjamin es adoptado por una mujer que trabaja en una residencia de ancianos y que lo cuida como si fuese su propio hijo.
Pronto todos los que lo conocen se percatan de que Benjamin no es un niño como todos los demás, no sólo por su aspecto físico, sino porque su cuerpo rejuvenece conforme van pasando los años.
Basada en un conocido relato corto de F. Scott Fitzgerald, El curioso caso de Benjamin Button toma dicho relato como punto de partida, adoptando tan sólo el título y tomando la idea esencial, para elaborar la inusual historia de un personaje que vive su vida al revés, a contratiempo, y la relación que establece con una serie de personajes, algunos bastante pintorescos, que transitan por su dilatada vida.
Reflexión sobre el sentido de la condición y la existencia humana, y de la muerte como parte esencial y última de esa misma existencia, El curioso caso de Benjamin Button hilvana una serie de peripecias en torno a su personaje y a la relación amorosa temporalmente cruzada que tiene con el que es el amor de su vida, aunque no siempre con el mismo acierto. De esta forma, algunas de las historias que se nos narran parecen no encajar de manera adecuada en una narración que se prolonga más allá de las dos horas y media de metraje.
David Fincher desarrolla el relato de manera elegante y precisa, ayudado en gran medida por la calidad técnica que despliega en el film. Un aspecto técnico en el que recae gran parte de la narración y que se convierte no sólo en un personaje más sino en un recurso prodigioso y esencial de un film en el que la transformación física de su personaje principal resulta ser tan importante como su periplo vital.
Aun así, la película decae un tanto a partir de la hora y media de metraje. Un ligero bajón que logra remontar dignamente en su tramo final, para presentarnos un drama que no por inusual es menos convencional. Es decir, la vida de Benjamin Button, por curiosa que sea en cuanto a su desarrollo temporal, no difiere en demasía con respecto a la de cualquier otro ser humano en los aspectos esenciales. Es cómo la vive, cómo tiene que enfrentarse a ella debido a su peculiar anomalía lo principalmente curioso.
Sin embargo, la suya es una historia tan hermosa como poco empática, ya que uno no llega nunca a implicarse total y emocionalmente con el drama de estos amantes que sólo tienen una frágil y breve oportunidad de ser felices juntos.
Técnicamente brillante, el resultado final de El curioso caso de Benjamin Button se nos antoja genialmente imperfecto. Es posible que esto sea debido al montaje final de un film que en su concepción era no sólo previsiblemente distinto sino mucho más largo, lo que puede haber alterado sensiblemente la idea que Fincher y su guionista Eric Roth habían concebido inicialmente. Una historia que posiblemente el espectador llegará a ver en su posterior edición en DVD, pero que, por lo que respecta a su visionado en los cines, se nos presenta como hipnótica, inusual, mágica, bella y fascinante, aunque un tanto irregular en su conjunto.

El desafío. Frost contra Nixon

2009-02-13T06:52:00.005+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Ron Howard.
INTÉRPRETES: Frank Langella, Michael Sheen, Sam Rockwell, Kevin Bacon, Matthew MacFadyen, Oliver Platt, Rebecca Hall, Toby Jones.

Es relativamente curioso que al ver El desafío. Frost contra Nixon pensara de manera instintiva en Todos los hombres del presidente, la película de Alan J. Pakula en torno al descubrimiento del caso Watergate. Y digo relativamente porque es precisamente el descubrimiento de ese hecho y la posterior dimisión del presidente Richard Nixon el punto en común entre ambas películas. La cuestión está en que es ese precisamente el único aspecto en que la película de Ron Howard y la protagonizada por Redford y Hoffman se parecen.
El desafío. Frost contra Nixon es de esas películas con las que su director intenta darle cierto marchamo de calidad a su filmografía. Howard, conocido por ser un realizador que siempre ha estado dentro de la industria de Hollywood (con todo lo que eso significa) tiene un estilo muy marcado en el que prima por encima de todo el conseguir el beneplácito del público y el consiguiente beneficio en taquilla. De esta forma sus films suelen ser lo suficientemente entretenidos para poder agradar al mayor número de espectadores posible. Lo malo es que eso implica que sus historias se suelen simplificar lo suficiente como para irritar al cualquier espectador con ansias de encontrar algo más de lo que se le acaba dando.
De esta forma, el problema principal de Frost contra Nixon reside precisamente en su director. Y es que poner en manos de Ron Howard un material como este supone que el entretenimiento está asegurado. Lo malo es que eso irá en detrimento de la calidad y complejidad de una narración que podría haber dado mucho más de sí.
Basada en una obra teatral de Peter Morgan (La reina), la trama principal del film gira en torno a la serie de entrevistas que realizó el periodista David Frost al por aquél entonces ex–presidente de los Estados Unidos Richard Nixon. Unas entrevistas que acabaron convirtiéndose en el único juicio por el que pasaría Nixon tras su salida por la puerta de atrás de la Casa Blanca. Un juicio moral y popular que fue seguido por miles de espectadores de la televisión norteamericana.
Planteado como una especie de thriller periodístico, el centro principal del film son los careos entre el entrevistador y el ex–presidente. Es precisamente en esos momentos cuando la película gana bastantes enteros, ayudada por la labor de sus actores (Frank Langella está inmenso) y por los diálogos escritos por Morgan. Sin embargo, parece que el resto del film no le importe tanto y todo acaba siendo demasiado obvio y trillado. Lo salva, eso sí, que Howard cuenta con un reparto muy sólido que consigue rellenar con su presencia el vacío que suponen esas secuencias.

No nos engañemos, Frost contra Nixon es un buen film. Es sólido, entretenido, bien realizado, bien escrito y contiene unas buenas interpretaciones por parte de todos sus actores. Sin embargo, cualquier espectador con unas mínimas ganas de encontrar algo de profundidad y complejidad en el tema que se nos relata se quedará con la miel en los labios.

Mi nombre es Harvey Milk

2009-01-14T22:35:00.011+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Gus Van Sant
INTÉRPRETES: Sean Penn, James Franco, Josh Brolin, Emile Hirsch, Diego Luna, Victor Garber, Denis O’Hare, Stephen Spinella, Alison Pill.

No es la primera vez que se lleva a la gran pantalla la vida de Harvey Milk, político y activista estadounidense que se convirtió en la primera persona abiertamente homosexual que ocupó un cargo público en los Estados Unidos al ser elegido como concejal en la ciudad de San Francisco. Ya en 1984 el director Rob Epstein realizó The times of Harvey Milk, documental que un año después ganaría el Oscar de su categoría y que supone el primer acercamiento a la figura de este emblemático político.
Gus Van Sant, director de carrera irregular y basculante entre el cine experimental (Elephant, Last days) y el cine más convencional (El indomable Will Hunting) es en esta ocasión el encargado de llevar este proyecto a buen puerto, trazando los puntos esenciales de la vida política y personal de Harvey Milk hasta llegar al momento en que fue asesinado por el concejal Dan White.
A caballo entre el cine documental y la ficción, no es de extrañar que Gus Van Sant y su guionista Dustin Lance Black se hayan servido del documental de Epstein como punto de partida para realizar su film. Utilizando documentos de la época y en base a la narración del propio Milk, ambos nos narran cómo el personaje llegó a San Francisco a principios de los años setenta para instalarse y abrir un negocio. Poco a poco, sus aspiraciones políticas, unidas a su indudable carisma, y su lucha por los derechos de los homosexuales, perseguidos y hostigados por políticos y activistas ultraconservadores, hicieron que acabara convirtiéndose en el referente de la comunidad homosexual de la ciudad, hasta el punto de conseguir un cargo político, algo totalmente impensable en aquella época.
Con una realización eficiente, sobria, de tono realista y de corte clásico por parte de Gus Van Sant (muy alejado de sus otros trabajos), si hay algo que destaca por encima de todo en Mi nombre es Harvey Milk es el buen trabajo de su equipo actoral. Si dejamos a un lado a un sobreactuado Diego Luna, todos y cada uno de los actores del film componen sus personajes a la perfección, sobresaliendo del resto James Franco, Emile Hirsch y un Josh Brolin que tiene la difícil misión de encarnar al atormentado Dan White, el asesino de Milk. Es precisamente su personaje uno de los que peor sale parado en el film, siendo uno de los puntos negros del mismo, ya que su personaje no está lo suficientemente bien elaborado (a pesar que el metraje del film rebasa las dos horas), por lo que sus problemas personales y las motivaciones que le llevaron a cometer el asesinato no quedan adecuadamente mostradas.
Un punto aparte es Sean Penn. A estas alturas nadie va a descubrir que Penn es uno de los mejores actores de su generación. En Mi nombre es Harvey Milk, Penn simple y sencillamente se transmuta en su personaje, ofreciéndonos una de sus mejores interpretaciones, repleta de matices y desprovista de todo el exceso en el que podría haber incurrido con bastante facilidad.

En definitiva, Mi nombre es Harvey Milk es una de las mejores y más interesantes propuestas que podemos encontrar en las pantallas durante estos días en los que la cartelera todavía sigue arrastrando las tediosas y poco estimulantes rémoras cinematográficas estrenadas durante las pasadas semanas.

Resistencia (Defiance)

2009-01-14T07:08:00.008+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Edward Zwick
INTÉRPRETES: Daniel Craig, Liev Schreiber, Jamie Bell, Alexa Davalos, Iben Hjejle, Allan Corduner, Tomas Arana, Mia Wasikowska.

El drama de la persecución de los judíos por parte de los nazis ha sido llevado tantas veces a la pantalla que quizá por ello ya no tenga la capacidad de sorprendernos. Hollywood vuelve a este tema cada vez que puede, precisamente porque este drama humano encierra los suficientes elementos dramáticos como para conformar cada vez una nueva y conmovedora historia. Sin embargo, no siempre consigue su objetivo.
Basada en los hechos reales ocurridos en Bielorrusia durante la IIª Guerra Mundial, Resistencia nos narra la historia de lucha y supervivencia de los hermanos Bielski. Ocultos en los bosques tras el asesinato de su familia y a pesar de que ni ellos mismos lo buscaban, los Bielski se convirtieron en los líderes de un grupo de partisanos judíos que libraron a centenares de morir en los campos de concentración.
Dirigida por el eficiente Edward Zwick (Diamante de sangre, El último samurái), Resistencia presenta la novedad de mostrar simplemente a los judíos no sólo como las dóciles víctimas de la contienda, sino también como hombres que supieron también defender sus vidas por medio de las armas. Sin embargo, el film no se centra tanto en explotar las complejidades dramáticas que esta historia le ofrece como en mostrar una trama convencional, repleta de lugares comunes y que focaliza su interés en las diferencias de criterio entre los dos hermanos mayores, ya que mientras que uno busca la supervivencia en la medida de lo posible no violenta y la cohesión del grupo, el otro insiste en la venganza por medio de la lucha armada.
De esta forma, y como ya ocurría en algunos films anteriores de su director, Zwick pasa por encima de muchos aspectos de mayor interés que la trama le ofrece, como la dificultad de las relaciones sentimentales, la organización de la vida diaria en el campamento o la angustia provocada por el acoso constante del ejército alemán. Muy al contrario Zwick nos presenta un film plano y lineal, que toma prestadas bastantes ideas de otros títulos que no necesariamente tratan el mismo tema y al que le su falta de rigor histórico y dramático dejan una fría sensación final de que en otras manos Resistencia podría haber sido una mejor película.

Tropic Thunder

2008-10-15T21:46:00.004+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Ben Stiller
INTÉRPRETES: Ben Stiller, Robert Downey Jr., Jack Black, Brandon T. Jackson, Nick Nolte, Tom Cruise Steve Coogan, Matthew McConaughey, Jack Barruchel.

Un grupo de actores embarcados en una película bélica de desbordado presupuesto, que hace aguas por todos los lados gracias a sus desmedidos egos, sus caprichos de divas, sus inseguridades, sus adicciones y la incompetencia de su director debutante, acaba accidentalmente en medio de la jungla creyendo que todavía está rodando su película y teniendo que enfrentarse no sólo a sus muchos defectos sino también a una guerrilla de narcotraficantes de heroína que no verán con buenos ojos que se encuentren en su territorio. Esa es, en resumidas cuentas, la trama de Tropic Thunder (subtitulada en nuestro país como Una guerra muy perra), la nueva película del actor y ocasional guionista y director Ben Stiller.
De vez en cuando Hollywood sabe salir de su estúpido ensimismamiento, desviar su mirada de su ombligo para mirarse en el espejo y reírse de su propia cara. Esto es algo que no ocurre con la asiduidad que debería pero que, muy de tarde en tarde, ofrece al sistema hollywoodiense una oportunidad de hacer una ácida sesión de terapia y al espectador una buena ocasión para pasar un buen rato.
De esta forma, con algunos excesos propios de las comedias protagonizadas por su director y con el referente principal de Apocalypse Now de Francis Ford Coppola y su caótico rodaje, Tropic Thunder supone una ácida mirada al oficio de hacer películas y al sistema que lo sustenta.
En base a la premisa de un rodaje sumido en el desastre más absoluto, Stiller y sus co-guionistas (Justin Theroux y Ethan Coen) nos presentan a una estrella del cine de acción en horas bajas (Stiller), un oscarizado actor del método que ya no sabe ni quién es y que se ha operado la piel para hacer el papel de un negro (inconmensurable Downey Jr.), un cómico de humor escatológico adicto a las drogas (Black), un rapero metido a actor (Jackson) y un inseguro actor de reparto (Barruchel) que sueña con que su carrera despegue con una película que no hay quien la gobierne. A ello se unen un director debutante que no sabe qué hacer (Coogan), un productor/magnate pagado de sí mismo (Cruise), un traumatizado ex-combatiente de Vietnam que ha escrito el libro en el que se basa la película (Nolte) y un agente (McConaughey) que hará todo lo posible para que su actor tenga todas las comodidades posibles en el rodaje, por estúpidas e innecesarias que sean.
Con un arranque más que notable, una parte central con algunos baches y un desenlace que consigue levantar dignamente el vuelo, Tropic Thunder no deja títere con cabeza. Los actores, los directores, los ejecutivos, los agentes… incluso los Oscars, todo lo que rodea al mundo del cine es susceptible de ser criticado en esta película repleta de referencias al cine bélico, con evidentes homenajes no sólo a la película de Coppola sino también, por poner otro ejemplo más que evidente, a Platoon de Oliver Stone.
Divertida, ácida, excesiva y algo atropellada en ocasiones, Tropic Thunder quizá no sea una película redonda, pero al menos sabe cómo entretener al espectador. Y lo hace incluso antes de que empiece la propia película, con esos descacharrantes trailers falsos que la preceden y que sería casi imperdonable perderse.

Vicky Cristina Barcelona

2008-10-15T21:33:00.005+02:00

NACIONALIDAD: España
DIRECTOR: Woody Allen
INTÉRPRETES: Javier Bardem, Penélope Cruz, Scarlett Johansson, Rebecca Hall, Patricia Clarkson, Chris Messina, Kevin Dunn.

Mucho ruido y pocas nueces. Con ese título de obra shakesperiana se podría resumir a la perfección la última obra del siempre interesante director, guionista y actor norteamericano Woody Allen. Porque el bullicio creado por el rodaje en nuestro país de la nueva película del creador de maravillas como Annie Hall, Manhattan o Balas sobre Broadway (por nombrar sólo algunas) y la mediática expectación previa a su estreno se han quedado en un producto mediocre y rutinario que no hace honor a su filmografía.
Y es que, teniendo en cuenta que Allen realiza una película cada año, no se puede pedir que siempre le de al espectador una gran obra que llevarse a la boca. Sin embargo, incluso en sus películas menos conseguidas, podemos encontrar siempre el sello inconfundible de un autor que rara vez decepciona. Y sin ser un desastre de magnas proporciones, Vicky Cristina Barcelona no es, con mucho, lo mejor de su filmografía. A decir verdad, y si no se supiese desde el principio quien firma la película, está muy lejos de parecer una obra de Woody Allen.
El director de Nueva York siempre ha mostrado su predilección por el cine europeo. De hecho, sus películas siempre han sido mejor recibidas a este lado del charco que en su país. Demasiado culto para el espectador norteamericano, Allen nunca ha sido un director taquillero y, teniendo en cuenta que últimamente le es difícil encontrar financiación en las productoras estadounidenses, desde hace ya algunos años se ha dedicado a rodar sus películas en Europa, donde su prestigio sigue todavía intacto. De esta forma ha podido rodar en suelo británico Match Point (sin duda la mejor de su etapa europea), Scoop y la apreciable e injustamente infravalorada El sueño de Cassandra.
Una vez finalizada esta primera etapa europea, la siguiente parada en su periplo fue España. Y he aquí el problema: ¿qué es lo que sabe Woody Allen de nuestro país?. Simplemente lo más esencial de nuestra cultura. Así que, para escribir un nuevo guión, se saca de la manga la historia de una relación a cuatro bandas y la enmarca en una Barcelona repleta de culturilla de guía de viajes y lugares comunes que está presentada en todo momento como un publirreportaje marcado por una voz en off que por momentos llega a ser irritante.
Con un guión pobre e insustancial que nace de una premisa harto sencilla y en el que la chispa habitual de sus diálogos brilla por su ausencia, Vicky Cristina Barcelona es un constante quiero y no puedo (más bien un puedo pero no me apetece) repleto de tópicos y en el que se puede salvar muy poca cosa. Ni tan siquiera la esforzada labor de sus actores puede rescatar del tedio esta supuesta comedia de enredos amorosos.
Es evidente que no se puede pedir a Allen que nos regale una genialidad al año. Sin embargo no hubiese estado de más que se esforzara en documentarse adecuadamente y pulir un poco en el guión de este film en vez de cubrir simplemente el expediente y en esperar que su prestigio y el nombre de sus actores haga el resto del trabajo.
Esperemos encontrar en su siguiente obra al Woody Allen que el buen espectador cinematográfico siempre espera encontrar, porque lo que es en Vicky Cristina Barcelona prácticamente brilla por su ausencia.

El tren de las 3:10

2008-09-20T11:51:00.004+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: James Mangold
INTÉRPRETES: Russell Crowe, Christian Bale, Logan Lerman, Ben Foster, Peter Fonda, Vinessa Shaw, Alan Tudyk, Luce Rains, Gretchen Mol.

Remake del film de 1957 dirigido por Delmer Daves y protagonizado por Glenn Ford y Van Heflin, a su vez basado en un relato de Elmore Leonard, El tren de las 3:10 supone el grato reencuentro del espectador con uno de los géneros cinematográficos por excelencia como es el western. Un género desgraciadamente en desuso y que vuelve de tarde en tarde a las pantallas, aunque no siempre con los resultados esperados.
Suele ocurrir que, cuando un film tarda en estrenarse, es debido a los problemas surgidos durante su elaboración o porque el resultado final es, cuando menos, deficiente. Salvo contadas excepciones, un retraso en la fecha de estreno se asocia a una serie de deficiencias de aspecto considerable y que hacen que el film acabe fracasando (si es que llega a estrenarse) en su carrera comercial y crítica. El hecho de que haya transcurrido casi un año con respecto al estreno de El tren de las 3:10 en los U.S.A. puede despertar ciertas dudas para cualquier espectador medianamente informado. Sin embargo, una vez visto el film, da que pensar que en ocasiones el capricho de las distribuidoras puede hacer que determinadas producciones tarden más tiempo de lo que merecen en encontrar su sitio en la cartelera de cada semana, mientras que otras de menor (por no decir ínfima) categoría se estrenan con pasmosa facilidad.
Y es que, salvando algunos bajones en su narración, El tren de las 3:10 supone un digno ejercicio, en ocasiones incluso brillante, de revisión de los parámetros más clásicos del western, sobre todo gracias a la colisión interpretativa de sus dos actores principales.
James Mangold, correcto e impersonal director de films como Copland y En la cuerda floja (quizá sus mejores realizaciones) aborda un film mucho más intimista y menos épico de lo que podríamos esperar teniendo en cuenta el género en el que se inscribe. Quizá por ello El tren de las 3:10 pueda parecer en un principio más un telefilm de buena factura y con actores de renombre que una producción de mayor categoría. Sin embargo, todas estas dudas se disipan al instante una vez metidos en la historia que se nos narra.
Tensa, vibrante, dura, seca y repleta de diálogos de mucha calidad, El tren de las 3:10 nos presenta una trama centrada en la relación de amor / odio entre dos hombres muy distintos: un honrado granjero (Christian Bale) con serios problemas económicos y un carismático y despiadado pistolero (Russell Crowe) que es capturado por la ley y al que se ofrecerá a trasladar por dinero hasta el tren al que se refiere el título y que se dirige hacia la mítica prisión de Yuma. Claro que la banda del forajido, liderada por su sangriento lugarteniente (Ben Foster), y el propio pistolero no se lo van a poner nada fácil durante el trayecto.
Mucho más pendiente del duelo entre los dos personajes principales que en la acción pura y dura, Mangold construye un film que basa su estructura en un guión bastante bien pulido, sobre todo en lo que respecta a sus diálogos, y en su acertada puesta en escena. No quiero decir con esto que la acción haya desaparecido por completo, porque no es así. Muy al contrario, aparece sólo cuando el relato lo requiere y, al igual que el resto del metraje, está realizada con buen oficio.
En definitiva, con sus pequeños defectos (que los tiene) El tren de las 3:10 supone un sorprendentemente agradable reencuentro con el western clásico. Una de esas raras ocasiones de salir satisfecho de la sala, sin la sensación de haber perdido el tiempo irremediablemente.

Che: El Argentino

2008-09-20T11:36:00.003+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A., España, Francia
DIRECTOR: Steven Soderbergh
INTÉRPRETES: Benicio del Toro, Demián Bichir, Santiago Cabrera, Elvira Mínguez, Jorge Perugorría, Edgar Ramírez, Victor Rasuk, Armando Riesco, Catalina Sandino Moreno, Unax Ugalde, Rodrigo Santoro, Kahlil Méndez, Julia Olmond.

Icono por excelencia de la revolución social, la figura y la vida de Ernesto ‘Che’ Guevara de la Serna ha sido trasladada en varias ocasiones al cine, no siempre con el acierto que merece. Médico, escritor y, sobre todo, guerrillero, este personaje imprescindible del Siglo XX ha aparecido en la pantalla en films tan distintos como son Che (con Omar Sharif y Jack Palance) de Richard Fleischer o la más reciente Diarios de motocicleta de Walter Salles.
Director todoterreno que igual se embarca en proyectos de envergadura como Traffic, en films experimentales como Bubble o en sagas multimillonarias como es el caso de Ocean’s Eleven y sus secuelas, Steven Soderbergh aborda aquí la difícil misión de acercarse a la persona del ‘Che’ desde el rigor histórico y personal.
Para ello se ha alejado de los parámetros del biopic al uso y se ha centrado en lo que considera el aspecto esencial de su vida (a fin de cuentas por lo que es más conocido) como es su faceta de guerrillero revolucionario. Con el fin de conseguirlo, se apoya en un guión de Peter Buchman, que a su vez se basa en los diarios escritos por el propio ‘Che’ en sus campañas, para conformar un díptico rodado casi en su integridad en español y que está compuesto por El Argentino, que narra su participación en la Revolución Cubana, y Guerrilla, que se centra en sus campañas de Angola y Bolivia (en la que murió) y que llegará a los cines dentro de unos meses.
Con su visita a Nueva York para realizar su discurso en la sede de la O.N.U. como eje central del film, Soderbergh aprovecha este hecho histórico para hacer bascular la trama de El Argentino entre lo cercano al documental y lo puramente cinematográfico. Para ello, combina dos tipos de acercamiento fotográfico (blanco y negro para las escenas de Nueva York y en color para el resto) para marcar claramente las diferencias entre ambos momentos.
De esta forma, el director norteamericano indaga en la persona del ‘Che’ con la intención de trascender la figura icónica hasta llegar a comprender a un hombre y los motivos que le llevan a embarcarse hacia una tierra que no es la suya, coger un fusil y pasarse durante meses batallando en la jungla.
Y el medio por el que se ha valido para hacerlo no es sólo los escritos del propio personaje histórico (principalmente su libro Recuerdos de la guerra revolucionaria cubana), sino principalmente de la imponente figura y la rotunda interpretación de un Benicio del Toro que se hecha a los hombros un film que sería a buen seguro muy distinto sin él en el reparto. Un reparto en el que habría que destacar especialmente la presencia del actor Demián Bichir, que interpreta (más bien habría que decir que se mimetiza) al líder cubano Fidel Castro.
Valiente y ambiciosa, la película de Soderbergh es un más que apreciable intento de acercarse fielmente a este personaje, mucho más allá que las simples imágenes que se tienen de él. Es de esperar que con el estreno de Guerrilla este díptico se cierre con la brillantez con la que se ha iniciado.

El caballero oscuro

2008-08-14T18:29:00.003+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Christopher Nolan
INTÉRPRETES: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Michale Caine, Morgan Freeman, Maggie Gyllenhaal, Gary Oldman, Ron Dean, Nestor Carbonell, Eric Roberts.

Precedida de un éxito tanto de crítica como de público casi sin precedentes para una película de superhéroes, se ha estrenado en nuestro país El caballero oscuro, la segunda incursión de Christopher Nolan en las aventuras del hombre murciélago tras las buenas sensaciones dejadas con Batman begins.

Alejada de la estética gótica y el sentido granguiñolesco de las dos primeras películas dirigidas por Tim Burton, y, sobre todo, de la ridícula y colorista visión ofrecida por Joel Schumacher en las continuaciones, Christopher Nolan ofreció hace tres años a los fans (y no tan fans) del personaje creado por Bob Kane una presentación mucho más seria y acertada del mismo. Cierto es que Batman begins adolecía de un guión que presentaba algunos altibajos, sobre todo hacia la mitad del relato, pero que solventaba perfectamente en el tramo final del film. Aunque no es de aquella película de la que toca hablar en esta ocasión…
El caballero oscuro retoma la acción prácticamente donde acababa el film precedente, es decir, con la presentación de un nuevo personaje como es el de el Joker. Y aunque es alrededor del enfrentamiento entre Batman y Joker donde se centra la acción principal del film, Nolan y su co-guionista David S. Goyer presentan también una trama paralela que tiene al fiscal Harvey Dent (posteriormente conocido como Dos Caras) como elemento principal.
Mientras que Bruce Wayne, cansado de su doble vida como Batman, quiere dejar el testigo a Dent, ya que cree que es la persona adecuada y necesaria para ocupar su lugar (aunque de forma pública), al mismo tiempo ha de enfrentarse con un enemigo que le va a hacer replantearse toda su idea sobre la justicia y cómo impartirla.
Porque el Joker tiene algo que los demás villanos no tienen: sus acciones no se rigen por una razón de ser. El Joker de Nolan, a diferencia del histrión de circo creado por Nicholson para Tim Burton, es simple y sencillo caos. Con él no hay reglas, no hay parámetros, no hay un sentido, no hay ética… no hay nada. Y Batman ha de encontrar la forma de atajar el caos, sin caer él mismo en él, con todo lo que ello conlleva.
Si algo tiene el guión de El caballero oscuro es que es mucho más ambicioso y rico en matices. Intenta llevar al personaje mucho más allá del simple film de superhéroes, dotándole de una profundidad que, incluso en su predecesora, hasta el momento no había tenido. De esta forma lleva al protagonista a preguntarse sobre la necesidad de su presencia, sobre la vida que lleva y sobre la ética que rige cada una de sus acciones.
Al margen del guión y del excelente pulso narrativo de su director, los actores no hacen más que alargar la buena labor que ya hicieron en Batman begins. Todos excepto el recientemente fallecido Heath Ledger… principalmente porque no actuaba en el film anterior y porque su actuación merece, cuando menos, un mínimo comentario aparte. Porque su interpretación del desquiciado, carismático y nihilista Joker, a pesar del caos que representa, da el perfecto y último sentido a un film que, sin duda, estará entre los mejores de este año y marcará un antes y un después en las películas basadas en cómics. Y en muy buena parte es gracias a su excepcional y última presencia.

Wall·E

2008-08-14T18:17:00.004+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Andrew Stanton
INTÉRPRETES (Voces en la V.O.): Ben Burt, Elissa Knight, Jeff Garlin, Fred Willard, John Ratzenberger, Kathy Najimi, Sigourney Weaver.

Wall·E es un pequeño robot que lleva siete siglos compactando y apilando basura el sólo en nuestro abandonado planeta Tierra. A pesar de todo el tiempo transcurrido, él sigue saliendo todas las mañanas para ir a trabajar, siguiendo una rutina que no le ha impedido ir desarrollando una personalidad propia gracias a las cosas que ha ido recogiendo de la basura. Su mejor y único amigo es una cucaracha que lo acompaña allí donde va y su único contacto con la raza humana a la que intenta imitar es una vieja cinta de VHS con el musical Hello, Dolly!.
Sin embargo, toda su vida da un vuelco cuando aparece una nave y de ella baja EVE, un robot de última generación del que Wall·E queda perdidamente enamorado.

Resulta cuando menos curioso que, en una época en la que la aplicación al cine de los efectos especiales es algo que está al orden del día, la compañía Pixar sea una de las pocas capaces de producir films completamente creados por ordenador y que, a diferencia de muchas otras, al mismo tiempo tengan mucho más fondo, más alma que la gran mayoría de las películas que se estrenan semana tras semana.
Y es que, al margen de las excelencias técnicas que las películas de Pixar siempre hacen gala, el tratamiento que le dan sus guiones es la baza principal sobre la que se asienta su más que merecido éxito. Y en el caso de Wall·E no es una excepción.
La soledad, el amor o la amistad son algunas de las cuestiones que se abordan en este film que incluso llega un poco más allá al presentar a los humanos del futuro como unos obesos, estúpidos, vagos y alienados seres que viven cegados por un consumismo voraz y que han olvidado que, más allá de una pantalla de televisión, hay otras cosas y, sobre todo, otras personas que merecen su atención y con las que merece la pena relacionarse.
Y todo esto lo encontramos engarzado en una trama tan sencilla como encantadora que tiene como protagonista a un simpático robot que tiene más humanidad que los propios humanos y que busca desesperadamente que la robot de la que está enamorado se fije en él.

Como en todos los films de la factoría Pixar, la historia que nos cuenta Wall·E tiene la virtud de poder ser disfrutada a diferentes niveles tanto por los más jóvenes como por los más adultos. Una historia rica en matices, que es pura delicia y que bebe tanto de la ciencia ficción (literaria y cinematográfica) como del cine mudo, al que presta un personaje que se agarra dulcemente al corazón del espectador y que no lo suelta ni una vez finalizada la proyección.

Las crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian

2008-07-16T21:08:00.004+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Andrew Adamson.
INTÉRPRETES: Ben Barnes, William Moseley, Skandar Keynes, Anna Popplewell, Georgia Henley, Peter Dinklage, Warwick Davis, Vincent Grass, Sergio Castellito, Liam Neeson (voz), Alicia Borrachero.

Pongamos todas las cartas encima de la mesa desde el principio: El Príncipe Caspian es un puro y simple aburrimiento. Andrew Adamson intenta con esta segunda parte hacer evolucionar la saga iniciada con El león, la bruja y el armario desde el cuento para niños hacia la épica para adultos y se queda a medio camino. Y lo peor de todo es que lo hace con una historia narrada con tal frialdad que en ningún momento logra enganchar al espectador, haciendo que resulten tediosas las casi dos horas y media de proyección.
Basada en el cuarto libro de la famosa saga de novelas escritas por C.S. Lewis, El Príncipe Caspian transcurre un año después de los acontecimientos narrados en la película anterior. Los hermanos Pevensie vuelven a Narnia, donde descubrirán que todo ha cambiado sensiblemente. Han pasado mil trescientos años desde que se fueron y el reino fantástico que ellos dejaron está ahora dominado por los Telmarinos, gobernados a su vez por el malvado Rey Miraz.
Mientras que El león, la bruja y el armario no ocultaba su intención de ser un cuento para niños, El Príncipe Caspian es algo más oscura, tanto en lo visual como en el tono de la narración. Sin embargo, su narrativa es muy poco sólida y no logra nunca funcionar ni como cuento fantástico ni como drama. A pesar de que lo intenta, no logra nunca emocionar, y eso es culpa de un director que consigue un producto tan competente como poco estimulante.
En líneas generales El Príncipe Caspian se sitúa muy por debajo de su predecesora, principalmente porque no logra dar el salto hacia el entretenimiento para adultos. Mientras que en el mundo fantástico en el que se basa han pasado más de mil años y se ha convertido en un lugar más oscuro y peligroso (al menos en teoría), el film de Adamson sigue en muchos aspectos estancado.
Para colmo de males, el desarrollo de la trama es bastante embarullado, con una evidente falta de ritmo y, por momentos, insufriblemente tedioso. Los personajes principales están muy mal dibujados, siendo esto palpable en el caso del Príncipe Caspian del título, una evidente traslación del Hamlet de Shakespeare, cuya presencia acaba resultando mucho menos importante de lo que el título del film indica.
Este auténtico desbarajuste sólo se salva gracias al envoltorio. La ambientación sigue siendo espectacular y la fotografía, más luminosa en El león, la bruja y el armario, es impecable. Los decorados y las batallas, aunque palidecen ante los mostrados por Peter Jackson en su adaptación de la obra de Tolkien, hacen predecir que, en caso de haber una continuación, la saga de Narnia dará el cambio cualitativo que ya debería haber dado esta segunda parte.
En el caso de que Adamson y su equipo se aventuren a rediseñar de una vez por todas el universo creado por C.S. Lewis como un producto de género fantástico para adultos, podremos hablar entonces de un valor a tener en cuenta. Porque mientras sigan por este camino es evidente que no van a llegar nunca a buen puerto.

Speed Racer

2008-05-14T20:38:00.003+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTORES: Larry y Andy Wachowski
INTÉRPRETES: Emile Hirch, Nicholas Elia, Susan Sarandon, John Goodman, Christina Ricci, Matthew Fox, Roger Allam, Richard Roundtree.

En 1999 los hasta entonces desconocidos directores y guionistas Larry y Andy Wachowski sorprendieron a propios y a extraños con su segunda película (la primera es la irregular Lazos ardientes) llamada Matrix, un film repleto de referencias que iban desde la Biblia hasta la novela ciberpunk, pasando por el manga japonés, pero mezclados de forma adecuada y aderezados con unos efectos visuales totalmente innovadores y revolucionarios para su época.
Animados por el éxito, cuatro años después llegarían a las pantallas de todo el mundo dos aburridas e innecesarias continuaciones subtituladas Reloaded y Revolutions, con las que si bien triunfaron en taquilla no hicieron más que demostrar que el éxito de Matrix fue más fruto de la casualidad que debido a su pericia.
Nueve años después de que estos dos hermanos redefinieran, para bien y para mal, el concepto de espectáculo cinematográfico, los Wachowski han vuelto a nuestras pantallas con una nueva película llamada Speed Racer.
Adaptación del manga de Tatsuo Yoshida Mach Go Go Go, que en nuestro país se llamó Meteoro, Speed Racer es el nuevo juguete con el que los hermanos y su productor Joel Silver se adentran en el mundo del automovilismo. Un juguete caro, aburrido y repleto de tópicos, aderezado de una estomagante paleta de colores que parece salida de una sobredosis de alucinógenos.
Obviando cualquier complejidad en favor de un infantilismo y una obviedad alarmantes, los Wachowski narran la historia totalmente plana y trillada de un joven corredor de coches que, apoyado incondicionalmente por su familia y su novia, se enfrenta a la oposición de un malvado magnate para el que las carreras no supone más que otra forma de lucro y que hará cualquier cosa para librarse del íntegro protagonista.
De esta forma, Speed Racer se queda en un aparatoso espectáculo en el que la forma devora de forma implacable el poco fondo del que goza la película. Porque, a pesar del despliegue técnico mostrado, el guión de este film es tan pobre, repleto de situaciones manidas, tontas y reiterativas, y sus personajes son tan básicos y obvios que Speed Racer se antoja insufrible hasta para un niño de diez años.
Lo único que deja el film de los Wachowski tras salir de la sala son una serie de preguntas que ya veremos si algún día tienen respuesta: ¿qué hacer Susan Sarandon en una producción como esta?, ¿volverán los Wachowski a dirigir una película?... y, sobre todo, ¿esto va a ser el cine del futuro?. Esperemos que no.

Iron Man

2008-05-14T20:34:00.002+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Jon Favreau
INTÉRPRETES: Robert Downey Jr., Terrence Howard, Jeff Bridges, Gwyneth Paltrow, Leslie Bibb, Shaun Tour, Faran Tahir, Jon Favreau.

Tony Stark es un afamado hombre de negocios que se gana la vida fabricando y vendiendo armas. Borracho y mujeriego, vive la vida sin ningún tipo de preocupación ni remordimiento por saber que las armas que vende matan a personas inocentes con la misma facilidad y rapidez con la que le hacen rico.
Todo cambia cuando en una visita de negocios a Afganistán es secuestrado por un grupo terrorista que le obligará a fabricar un misil de alta capacidad de destrucción. En su lugar, Stark se fabrica una armadura con la que logra escapar…
Tampoco es que haga falta mucho más para presentar a este superhéroe de la factoría Marvel (que aquí da el primer paso como productora cinematográfica) ya que es de sobra conocido. Es no sólo uno de los pocos personajes clásicos del cómic que carece de ningún tipo de poder, sino también uno de los pocos que hasta el momento no tenía una película propia.
Tras la implicación de directores de mucho más nombre en adaptaciones como las de Spiderman (Sam Raimi), Hulk (Ang Lee), Batman (Christopher Nolan) o Superman (Brian Singer), sorprende en cierta medida que haya sido un director de tan poco bagaje como Jon Favreau (Elf) el encargado de trasladar a la gran pantalla las aventuras de Iron Man. Sin embargo, es de alabar en esta ocasión el que no haya querido intentar dejar en esta adaptación cierta impronta de autoría, algo que, como en algunos de los casos mencionados anteriormente, suele ser sinónimo de fracaso. Favreau más bien ha querido quedarse en un segundo plano, dejando que la historia y el personaje central de Iron Man evolucione tal y como lo hacía en el comic original, facturando de esta forma un producto que cuando menos se podría calificar como correcto.
Y es que el protagonista absoluto de Iron Man no son sólo los efectos especiales (funcionales, sin más), sino el estupendo actor encargado de interpretar a Tony Stark. El afortunadamente recuperado Robert Downey Jr. es quien hace que Iron Man sea un producto más que decente, dotando a su personaje del descaro, la socarronería, la presencia y el carisma que necesita. Bien es cierto que el film recae sobre sus hombros, ya que el resto del reparto carece del mismo protagonismo. Gwyneth Paltrow y Terrence Howard no son más que una mera anécdota en el film, mientras que Jeff Bridges sí que sabe sacar partido (la experiencia es un grado) de los pocos momentos de lucimiento que le deja su personaje de antagonista sin escrúpulos.
Sin embargo, si por algo es Iron Man un producto que, al menos, no nos hace retorcernos en la butaca de irritación es gracias al cínico, borracho y genial personaje encarnado por un Robert Downey Jr. en estado de gracia. Y es que, si tenemos en cuenta cómo está el panorama últimamente, esto es algo que hay que agradecer.

Rebobine, por favor

2008-04-15T21:11:00.005+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Michel Gondry
INTÉRPRETES: Jack Black, Mos Def, Dany Glover, Mia Farrow

Jerry y Mike son dos buenos amigos cuya vida transcurre entre lo anodino y lo excéntrico. Jerry (Jack Black) vive obsesionado con la planta eléctrica que está al lado de su caravana y que, según él, emite unas ondas que le están derritiendo el cerebro. Mike (Mos Def) trabaja en un anticuado y ruinoso videoclub de su barrio en el que todas las películas todavía están en VHS.
Cuando Mike, tras un fracasado intento por sabotear la planta eléctrica, acaba magnetizado y sin querer consigue borrar todas las cintas del videoclub, a los dos amigos no se les ocurre otra cosa que grabar encima de las películas sus propias versiones como medida desesperada para intentar salvar lo poco que queda del negocio.
Michel Gondry (¡Olvídate de mí!, La ciencia del sueño) es uno de los cineastas más inclasificables del panorama cinematográfico actual. Surgido del mundo del videoclip (son memorables sus colaboraciones con la cantante islandesa Björk) y de los anuncios publicitarios, el director y guionista francés es uno de los pocos realizadores actuales cuyas propuestas se apartan de los convencionalismos y estereotipos en los que habitualmente cae la mayor parte del cine que se realiza hoy en día.
Rebobine, por favor es su nueva propuesta, una comedia mucho más convencional que sus anteriores producciones, pero que esconde una dulce y poco acerada crítica al cine que se hace hoy en día, ese que sólo vive de secuelas y nuevas versiones. Y eso, a pesar de que sus protagonistas encuentran la solución al problema que se les plantea realizando sus propias versiones de películas que son más que conocidas por el público.
De esta forma, a su particular manera y con los precarios medios que tienen a su alcance, adaptan films tan conocidos como 2001: Una odisea del espacio, King Kong, Paseando a Miss Daisy, Men in Black o Los Cazafantasmas.
Quizá el problema de Rebobine, por favor radica principalmente en que la idea de la que parte se antoja demasiado breve como para hacer de ella una película entera. Michel Gondry es consciente de esto, así que hace que la trama dé un giro en la segunda parte del film y se convierta en una historia con tintes caprianos sobre la persecución, a pesar de la posibilidad del fracaso, de los propios sueños.
Tierna, inteligente y emotiva, Rebobine, por favor es una película que tiene a su favor el hecho de que su creador no se adentre en el tipo de comedia gruesa y de chiste fácil que desgraciadamente tan buenos resultados da hoy en día (y para muestra sólo hay que sufrir Casi 300). Tal vez está mejor conseguida en su primera mitad y definitivamente es la más convencional de las propuestas de Gondry, sin embargo eso no evita que se vea con gozoso agrado.

21: BLACK JACK

2008-04-14T23:15:00.002+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Robert Luketic
INTÉRPRETES: Jim Sturgess, Kevin Spacey, Kate Bosworth, Lawrence Fishbourne, Aaron Yoo, Jacob Pitts, Jack McGee, Sam Golzari.

Las cartas siempre han dado mucho y buen juego en el cine. Muchas películas han basado parcial o totalmente su narración en los entresijos de los juegos de naipes, especialmente en el poker, apoyándose en toda la parafernalia y el ambiente (casi siempre con un punto de sordidez) del que suele estar acompañado. El golpe, El rey del juego, La música del azar, Rounders o Casino Royale son algunos de los muchos ejemplos en los que el cine se ha echado unas cuantas manos sobre el verde tapete.
Basado en el libro de Ben Mezrich Bringind down the house: The inside story of six M.I.T. students who took Vegas for millions, a su vez basado en un hecho real, el film de Robert Luketic 21: Black Jack narra la historia de un grupo de estudiantes que, reclutados por un profesor, utilizan su talento con las matemáticas para hacer saltar la banca en los casinos de Las Vegas.
A pesar de que el andamiaje del film resulta manido y casi siempre bastante previsible, no se puede negar que Luketic (que cambia de género tras Una rubia muy legal y La madre del novio) ha conseguido con 21: Black Jack realizar un producto bastante bien acabado y que, al menos, consigue entretener.
Sin embargo, esta historia de un joven con pocos recursos, que encuentra en su don con los números una forma de poder ser alguien en la vida y que casi acaba siendo devorado por la avaricia y las luces de la ciudad del juego, presenta algunos detalles que podrían haber sido mejor tratados y que podrían haber hecho de esta película un producto superior a la media.
El guión de Peter Steinfeld y Allan Loeb, aun siendo bastante decente, tiene una estructura bastante simple y repetitiva (sobre todo en las escenas de Las Vegas) y está repleta de clichés que provocan que el espectador sepa de antemano cómo va a concluir esta historia. Prueba de ello es un giro final supuestamente sorprendente pero que se ve a la legua a poco que el espectador esté medianamente atento.
Por otro lado, el film desaprovecha claramente un elemento de la trama que podría haberle dado mucho más juego, como es la relación previa (demasiado esbozada en el film) entre los personajes encarnados por Kevin Spacey y Lawrence Fishbourne.
Con todo, 21: Black Jack cumple con creces su función de producto de buena factura sin más función que la de entretener al personal. No es todo lo que podría haber sido de estar en otras manos con mayor experiencia en este tipo de producciones, pero tampoco es que importe demasiado.

EXPIACIÓN (MÁS ALLÁ DE LA PASIÓN)

2008-01-21T23:54:00.001+01:00

NACIONALIDAD: Gran Bretaña
DIRECTOR: Joe Wright
INTÉRPRETES: Keira Knightley, James McAvoy, Juno Temple, Patrick Kennedy, Benedict Cumberbatch, Romola Garai, Brenda Blethin, Vanesa Redgrave, Saoirse Ronan

Tras el buen sabor de boca que dejó hace dos años con su adaptación de la obra de Jane Austen Orgullo y prejuicio, el mismo equipo de aquel premiado film, encabezado por el director Joe Wright y la actriz Keira Knightley, se ha encargado de otra adaptación, en este caso del best seller de Ian McEwan Expiación.
Celos, pasiones, amores, envidias y caprichos infantiles, el dolor y la culpa se entremezclan en esta historia que transcurre en el marco de la IIª Guerra Mundial. Con una narración en la que, en algunos momentos, lo vemos todo contado desde varios puntos de vista, Expiación nos narra una historia de amor que es abortada por la acusación falsa de una niña caprichosa y excesivamente imaginativa. A partir de ese elemento de la trama, el film de Wright explora los terrenos de la culpa, de la expiación de los pecados mediante el sacrificio y de la dificultad de perdonar a aquellos que nos han causado un dolor profundo.
Rodada con un gran gusto estético, adecuadamente remarcados cada uno de sus planos por la bella música de Darío Marianelli, Expiación sin embargo se descubre pronto como un melodrama excesivamente frío, a pesar del tema que trata. Y es que, dejando a un lado la fascinante plasticidad de sus imágenes, el film de Wright destila por momentos un aire de acartonada artificiosidad, de cierta teatralidad que busca más una sucesión de planos perfectos que narrar una historia marcada por la tragedia.
Nada se puede objetar a la labor de sus protagonistas, ya que tanto Keira Knightley como James McAvoy (El último rey de Escocia) están perfectamente ajustados en sus papeles de amantes zarandeados por la desdicha. Sin embargo, tanto ellos como el resto del reparto se encuentran constreñidos por una narración que no acaba de conseguir llegar nunca a ese punto en el que el espectador se identifique con lo que se ve en la pantalla.
Hay libros imposibles de trasladar adecuadamente a la gran pantalla y Expiación quizá sea uno de ellos. Un servidor no ha leído la novela de Ian McEwan, así que tal vez sea este el caso o tal vez sea que su director no ha sabido transmitir como debiera esa pasión que reza el subtítulo de este film que se ha presentado en nuestra cartelera como un de los más importantes de esta temporada cinematográfica que acaba de empezar. Elementos para serlo los tiene de sobra, sin embargo no acaba por ser así. Y es una pena.

AMERICAN GANGSTER

2008-01-16T19:06:00.000+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Ridley Scott
INTÉRPRETES: Denzel Washington, Rusell Crowe, Chiwetel Ejiofor, Josh Brolin, Ted Levine, Carla Gujino, Lymari Nadal

Ambientada durante los convulsos años de la Guerra del Vietnam, American gangster narra la historia real de Frank Lucas, un gangster de poca monta que, del día a la mañana, se convierte en el narcotraficante más importante e influyente de la ciudad de Nueva York. El secreto de su éxito era tan sencillo como poco escrupuloso: traía la droga metida en los ataúdes de los soldados muertos en combate.
Ridley Scott, director capaz de lo mejor (Blade Runner, Alien o Los duelistas) y de lo peor (La teniente O’Neill) es el encargado de llevar a la gran pantalla esta historia sobre el ascenso y caída de Lucas, y de cómo fue cazado por la policía, en especial por el agente Richie Roberts.
Denzel Washington se encarga de ponerle cara a Franc Lucas, un hombre hecho a sí mismo, venido de una familia humilde y que, a base de seriedad, prudencia y empeño, levanta un imperio de la nada. Rusell Crowe encarna al lado opuesto de la moneda, a un policía honrado, estudiante de derecho en sus ratos libres y con una vida privada caótica que va detrás del responsable de introducir toda esa gran cantidad de droga en la ciudad.

Consciente de la poderosa presencia de sus dos actores, Scott centra su mirada en ellos, basculando la acción entre uno y otro hasta poder llegar al momento en el que por fin se encuentran. De esta forma, lo que el espectador se encuentra es con una radiografía de las acciones de ambos personajes: el primero intentando levantar su negocio, reafirmándolo en base a quien más confía (o sea, su familia) y llevándolo con mano de hierro, el segundo intentando cazar a alguien a quien en un principio no consigue ponerle cara mientras esquiva la corrupción policial que le rodea y sus propios problemas domésticos.
Buena parte de los elementos más importantes de la trama de American gangster nos parecerán poco novedosos. Es algo que ya hemos visto una y otra vez en películas como El precio del poder de Brian De Palma o Uno de los nuestros de Martin Scorsese. El film de Scott bebe directamente de estos y de otros referentes, alguno de ellos tan ilustres como la saga de El Padrino (con la familia como referente para los negocios), sin embargo, en comparación acaba pareciendo un pálido reflejo de todos esos films que retratan prácticamente lo mismo, pero con mucha mayor precisión y hondura dramática.
Sin ser una mala película, American gangster da la sensación en todo momento de ser un film prefabricado, construido desde un estudio de edición para que todo case perfectamente. A pesar de sus muchas bondades, el conjunto del film de Scott acaba resultando rutinario (en ocasiones, incluso aburrido) y con unas interpretaciones y una dirección que destilan oficio… y poco más. Podría haberse convertido en una gran obra, sin embargo American gangster tan sólo es una película correcta.

SYRIANA

2007-11-07T23:09:00.001+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Stephen Gaghan
INTÉRPRETES: George Clooney, Matt Damon, Jeffrey Wright, Chris Cooper, William Hurt, Mazhar Munir, Tim Blake Nelson, Amanda Peet, Christopher Plummer, Alexander Sidding, Max Minghella.

Syriana es un término real que utilizan los servicios estratégicos estadounidenses para referirse a una hipotética implantación de la democracia en los países de Oriente Medio. Y como bien se encarga de detallar la imponente y compleja opera prima del guionista Stephen Gaghan, esto no es más que uno de tantos espejismos tras los que ocultar la verdad: que mientras haya dinero de por medio, las grandes empresas y los gobiernos que las sustentan nunca dejarán que esto ocurra. Simple y sencillamente porque no es conviene.

Tras ganar en el 2001 el Oscar al mejor guión por Traffic, estupendo film de Steven Soderbergh que introducía el dedo en las llaga del narcotráfico, Stephen Gaghan se preparó para dar el salto a la dirección tras leer el libro del antiguo agente de la CIA Robert Baer See no Evil, que abordaba los entresijos políticos y económicos del mundo del petróleo. Producido en parte gracias a Section Eight (la productora de Soderbergh y George Clooney) el film, que mantiene la esencia del libro de Baer, introduce al espectador en una enmarañada tela de conexiones políticas y económicas que gravitan alrededor del llamado oro negro. De esta forma, vemos una serie de historias aparentemente inconexas que se van desarrollando ante nuestros ojos sin una especial conexión entre ellas, hasta que, una vez se va acercando el final de la película, todas y cada una de las piezas del rompecabezas se van uniendo imperceptiblemente.
A lo largo de algo más de dos horas Gaghan nos muestra un mundo de mentiras y manipulaciones en el que todo es factible con tal de que dé dinero. Un mundo sustentado por la corrupción política y empresarial, y en el que los gobiernos son derrocados o instaurados según convenga. Para ello, construye un guión exhaustivo y nada complaciente con un espectador mal acostumbrado a que se lo den todo masticado y listo para ser digerido. Un guión inteligente y crítico, a pesar de que lo hace con él no es más que mostrar las acciones de sus personajes sin detenerse por un momento a juzgarlas.

Y es que en Syriana no se trata de explicar nada, simplemente se muestra lo que ocurre. Tampoco es que eso importe demasiado, porque a pesar de que muchos de los detalles de la trama se nos puedan escapar (para entenderla plenamente se necesitaría más de un visionado), los conceptos básicos de su trama quedan bien claros para un espectador lo suficientemente atento.
Rodada, montada y, sobre todo, escrita con precisión milimétrica, Syriana se apoya también en un reparto perfectamente compensado en el que destacan George Clooney (Oscar al mejor actor de reparto), el veterano Christopher Plummer o el casi desconocido Mazhar Munir (visto en El reino de los cielos).

Desgraciadamente la complejidad de su trama hizo que buena parte de los espectadores no vaya a ver la que, con toda probabilidad, sea una de las mejores y más valientes propuestas cinematográficas del pasado año. Sin embargo, ya que está editada desde hace tiempo en DVD, todo aquel que tenga la oportunidad, el interés y la bendita paciencia de adentrarse en el entramado de historias que propone Syriana quedará gratamente recompensado con este film valiente, objetivo y sincero que no le dejará (ni mucho menos) indiferente.

PROMESAS DEL ESTE

2007-10-28T21:59:00.000+01:00

NACIONALIDAD: U.S.A. – Canadá – Gran Bretaña
DIRECTOR: David Cronemberg
INTÉRPRETES: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Armin Mueller-Stahl, Sinéad Cusack, Vincent Cassel, Mina E. Mina, Jerzy Skolimowski, Donald Sumpter.

Hace un par de años el veterano director canadiense David Cronemberg estrenó Una historia de violencia, film en el se narraba cómo un hombre pacífico (Mortensen), que vive en un tranquilo pueblo de la América profunda, se veía obligado por las circunstancias a mostrar su lado más violento y despiadado, dando a conocer su pertenencia a una familia de gangsters. El buen resultado de esta cinta ha hecho que Cronemberg vuelva a contar con Viggo Mortensen para protagonizar su segundo acercamiento al mundo del hampa llamado Promesas del Este, esta vez ambientando la historia en Londres y con la mafia rusa como tema central.
El arranque de Promesas del Este, con un seco y brutal asesinato, no puede ser más esclarecedor de lo que el espectador se va a encontrar. Cronemberg retrata en el film la otra cara de la ciudad del Támesis, un Londres sórdido, oscuro y lleno de peligros muy alejado de la imagen turística que conocemos. No en vano se vale del estupendo guión escrito por Steven Knight, autor también del libreto con el que Stephen Frears dirigió Negocios ocultos, cinta no suficientemente valorada en su momento y con la que tiene mucho en común la de Cronemberg.
La muerte de una adolescente al dar a luz y el diario que ha dejado escrito es el punto de partida de esta historia en la que una enfermera (Watts) se adentra sin quererlo en un peligroso ambiente en el que la violencia y la sangre están al orden del día. Indagando en el diario llega a conocer a un jefe mafioso (Mueller-Stahl), un hombre aparentemente amable pero que oculta una cara muy distinta. De igual forma conoce a su irascible y atormentado hijo (Cassel) y a su fiel chofer (Mortensen), con el que establece una particular relación.
De esta forma, en Promesas del Este Cronemberg narra cómo una persona totalmente normal, una enfermera de buen corazón se mete casi sin quererlo en la boca del lobo, en mundo despiadado, regido por la sangre y la venganza. Y cuenta también cómo encuentra ayuda en quien menos cabía esperar.
Si algo hay que destacar del film es la espléndida labor de sus actores, sobre todo las de un impecable Viggo Mortensen que llena la pantalla cada vez que aparece y la de un Armin Mueller-Stahl que logra dotar a su personaje de jefe mafioso de la presencia amenazante que requiere.
Igualmente se agradece la aridez y precisión de Cronemberg al rodar las escenas, evitando en algunas de ellas, como es el caso de la rotunda y adrenalítica escena en los baños, utilizar efectos y movimientos de cámara innecesarios.
Prácticamente ninguna pega se le puede poner al nuevo film de David Cronemberg, si acaso su final abrupto, que deja al espectador con ganas de saber mucho más de esta intensa, vigorosa y apasionante nueva historia de violencia. Sin duda Promesas del Este es una de las mejores películas que podemos encontrar actualmente en la cartelera. Un film directo, bien escrito, mejor rodado, espléndidamente interpretado y que en absoluto deja indiferente. No se puede pedir nada más.

EL ORFANATO

2007-10-23T00:18:00.001+02:00

NACIONALIDAD: España
DIRECTOR: Juan Antonio Bayona
INTÉRPRETES: Belén Rueda, Fernando Cayo, Roger Princep, Mabel Ribera, Geraldine Chaplin, Montserrat Carulla, Andrés Gertrudix.

Recibida con aplausos en el último Festival de Cannes, elegida por la Academia para que represente a España en los Oscar, designada para abrir el Festival de Sitges… cualquiera diría que El orfanato es la ópera prima de un joven director que hasta el momento tan sólo se había limitado a hacer carrera dirigiendo cortometrajes y videos musicales. Tal ha sido el revuelo que se ha montado antes del estreno de la película de Juan Antonio Bayona, que el cine español ha puesto en ella todas sus esperanzas con el fin de salvar el honor de una cinematografía que este año ha vivido (se lo ha ganado a pulso) uno de sus peores momentos.
Nacida de la mente del también debutante guionista Sergio G. Sánchez y producida por el director Guillermo del Toro (El laberinto del fauno), El orfanato no pasará a la historia del cine por su originalidad. Sin embargo, esto no quiere decir que el visionado del film de Bayona suponga una absoluta decepción.
Conscientes él y su guionista de que dentro del género de terror, y más concretamente en su variante de casas encantadas, está prácticamente todo dicho, toman como punto de partida una serie de elementos tradicionales del género, para entremezclarlos con bastante buen criterio en una historia que se adentra en los lindes del drama familiar.
De esta forma fabrican correctamente un film de fantasmas que no oculta sus referecias y que bebe directamente de otras películas de índole similar, de entre las que podríamos destacar Los otros (con la que más se la compara), Poltergeist o Al final de la escalera, por poner sólo algunos ejemplos. Pero dejando a un lado los evidentes paralelismos con producciones que se insertan dentro del mismo género, la principal virtud de los creadores del El orfanato es su capacidad de asimilar las constantes del género para así crear un producto más que correcto, que logra interesar y atrapar al espectador con su relato.
Siendo como es una ópera prima, se nota que a Bayona todavía le falta la veteranía suficiente como para poder pulir y mejorar todos aquellos elementos por los que El orfanato no consigue ser una película redonda, como es el caso de, por poner un ejemplo, su excesivamente alargado y edulcorado final. No obstante, sabe salvar perfectamente su debut con una realización sencilla, solvente y tremendamente efectiva. Además, tiene la suerte de contar con la presencia de una Belén Rueda que con su caracterización de una madre angustiada, que se sume en la desesperación y se acerca al borde de la locura ante la posible pérdida de su hijo, otorga un plus de credibilidad al andamiaje de un film que de otra forma sería todavía mucho más endeble.
Quizá no sea la mejor película del cine español este año y las alabanzas que se le han ido lanzando a El orfanato sean un tanto exageradas. Sin embargo, no cabe duda de que estamos ante un film bastante aceptable, que logra entretener (lo que o es poco) y que supone el interesante primer paso en la carrera de un director que habrá que tener muy en cuenta en un futuro.

GOSFORD PARK

2007-09-25T22:51:00.001+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Robert Altman
INTÉRPRETES: Michael Gambon, Kristin Scott Thomas, Maggie Smith, Jeremy Northam, Stephen Fry, Ryan Phillippe, Derek Jacobi, Alan Bates, Emily Watson, Bob Balaban, Tom Holander, Richard E. Grant, Hellen Mirren.

A la mansión de Sir William, en la campiña inglesa, van llegando una serie de personajes, con la intención de pasar un fin de semana durante el cual se celebrará una cacería. Al mismo tiempo que van llegando los invitados, en la parte de debajo de la casa una legión de mayordomos, criados, doncellas, cocineros y lacayos se afana en procurar que todo salga a la perfección. Al poco tiempo se pone de manifiesto que, a pesar de las apariencias, de las sonrisas y de la buena educación, todos y cada uno de los que se encuentran en la mansión tienen alguna razón para odiar a muerte a su anfitrión.
Explicado de esta manera, cualquiera podría pensar que nos encontramos ante la enésima adaptación cinematográfica de una novela de Agatha Christie o ante un episodio más de Se ha escrito un crimen. Sin embargo, aunque podemos encontrar similitudes con cualquiera de las dos, la película de Robert Altman (El juego de Hollywood, Vidas cruzadas) tiene mucho más que ver con aquella estupenda serie británica llamada Arriba y abajo que con alguno de los casos resueltos por Hércules Poirot. De hecho, a pesar de haber un asesinato y de que la policía toma cartas en el asunto (impagable Stephen Fry en el papel del despistado inspector) lo que menos importa aquí es quién es el asesino o asesinos y cuáles son las razones que le llevan a perpetrar el crimen. Lo que nos muestra Altman en esta película es la radiografía de dos clases sociales en principio distintas, separadas físicamente, cuyas vidas se entrecruzan prácticamente sin que lo noten.
Altman muestra con rigor en Gosford park a una serie de personajes muy bien dibujados (excelente el guión del propio Altman, Bob Balaban y Julian Fellower) y utiliza la cámara como bisturí para diseccionar ambas clases sociales, demostrando que, a pesar de sus diferencias, todos ellos son igual de humanos. Tanto arriba como abajo existen las mismas subclases y los mismos sentimientos, hipocresías, inseguridades, envidias, bondades o mezquindades.
La película está espléndidamente rodada y montada, en un alarde de sencillez y estilo narrativo, dando una lección de cómo hacer buen cine sin necesidad de ejercicios circenses. Ayudado de un guión bien estructurado y repleto de ágiles diálogos, Altman se arropa con los mejores intérpretes de la escena británica para dar acabado a un cuadro de costumbres tan perfecto como patético.
No hay un final con todos en el salón y con el inspector señalando que ha sido el mayordomo con el candelabro, porque eso, al fin y al cabo, el espectador acaba sabiéndolo por otros cauces. De todas formas, en Gosford park eso es precisamente lo que menos importa.

DEATH PROOF

2007-09-12T20:45:00.001+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Quentin Tarantino
INTÉRPRETES: Kurt Russell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Jordan Ladd, Rose McGowan, Sydney Tamiia Poitier, Tracie Thoms, Mary Elizabeth Winstead, Zoe Bell, Quentin Tarantino. Eli Roth, Michael Parks, James Parks

Cuando Quentin Tarantino y Robert Rodríguez presentaron su proyecto Grindhouse, un homenaje a las películas de serie B que se proyectaban, allá por los años 60 y 70, en los cines de programa doble, más de uno pensó (incluido un servidor) que estaríamos ante uno de los mayores acontecimientos del verano cinematográfico. Sin embargo, el fracaso en los cines norteamericanos de esta sesión doble conformada por dos segmentos separados por una serie de trailers falsos, hizo que las alarmas se dispararan.
¿Qué es lo que había salido mal?. Los productores se lanzaron rápidamente a justificar la debacle del proyecto alegando que el concepto no había sido comprendido por el público y a buscar soluciones desesperadas para hacer que Grindhouse acabase siendo rentable para las arcas de la compañía. De esta forma, Planet terror (Robert Rodríguez) y Death proof (Quentin Tarantino) se han estrenado en nuestro país por separado. Ya se sabe: dos películas recaudan más que una.
Una vez vistas ambas películas, lo primero que habría que decir es que (sin que sirva de precedente) Robert Rodríguez es el que se ha acabado llevando el gato al agua. Su homenaje al cine de zombies Planet terror tiene la acertada virtud de no tomarse en serio a sí misma, siendo un divertimento insustancial que se devora sin sentir y con el que se sale del cine con la agradable sensación de haber pasado un buen rato.
Sin embargo, lo de Tarantino con Death proof es harina de otro costal. Su particular visión de los slashers o películas de asesinos en serie, es un excesivamente largo, tedioso y autocomplaciente film en el que el director de Pulp fiction ha volcado todas sus obsesiones fetichistas (lo suyo con los pies de las mujeres es de psiquiatra) y sus referencias cinéfilas en una suerte de ejercicio de onanismo cinematográfico impropio de su filmografía.
El reconocido y magistral guionista y director de películas como Reservoir dogs o las dos partes de Kill Bill se ha desmarcado aquí con una cinta en la que su verborrea habitual se eterniza hasta el hastío y sin dar la más mínima sensación de que la narración avance hacia ninguna parte. De esta forma, el espectador se encuentra con un supuesto homenaje a las películas de coches, de asesinos en serie y, en cierta medida, a la blaxploitation de los años 70, en el que prácticamente ninguna de las constantes de ese tipo de films se acaban plasmando en la pantalla.
Tarantino se olvida de que tiene que narrarnos una historia, para así prolongar inútilmente una serie de diálogos y situaciones que conforman casi todo el metraje de este supuesto film de acción en el que la acción propiamente dicha tan sólo ocupa unos escasos quince minutos de las casi dos horas que conforman su metraje.
Esto no quiere decir que la película no esté rodada con su habitual maestría, sobre todo en lo que se refiere a las persecuciones y accidentes automovilísticos. Lo que ocurre es que, a pesar de algunos momentos, en conjunto Death proof se antoja un producto aburrido, repetitivo y vacío. Parece más bien que Tarantino no ha querido realizar el homenaje que dice querer hacer. Lo que en realidad parece es que haya querido demostrar a todos que es el mejor, que es el más chulo, que es el más listo, que es el que más mola y que es el que más sabe de música y de cine. Y por eso ha dirigido un film única y exclusivamente para sí mismo. Porque él lo vale.
Lo malo es que ha olvidado que las películas se hacen para que las vea un público que se encuentra con que Death proof no es más que una exasperante decepción de dos tediosas e interminables horas, tras las cuales el sufrido espectador sale del cine con la sensación de haber perdido irremediablemente el tiempo.

LA JUNGLA 4.0

2007-09-11T21:39:00.001+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Len Wiseman
INTÉRPRETES: Bruce Willis, Justin Long, Timothy Olyphant, Maggie Q, Mary Elizabeth Winstead, Cliff Curtis, Yancey Arias, Kevin Smith.

Hay películas por las que el simple hecho de comprar la entrada y sentarse en la butaca se convierte en algo más que en un hábito de estricta cinefilia (o cinefagia, según el caso), para pasar a ser un sano ejercicio de nostalgia. Ya ocurrió a principios de año con el último combate de Rocky Balboa, e inevitablemente pasará con otros iconos de la cultura popular como es el caso de John Rambo (de nuevo Stallone) y, sobre todo, Indiana Jones, de los que ya se están preparando nuevas aventuras para ser estrenadas el año próximo.

En un Hollywood como el actual en el que la acuciante falta de ideas conlleva una retahíla interminable de remakes y secuelas, no podía faltar una nueva parte de las desventuras de uno de sus antihéroes más carismáticos como es el John McClane encarnado por Bruce Willis. Casi veinte años después de que John McTiernan nos presentara en La jungla de cristal (1988) a este policía tan vulnerable como expeditivo, que se enfrentaba él solito a todo un grupo de terroristas que se había apoderado de un edificio, Len Wiseman (Underworld) nos devuelve a un envejecido pero no por eso menos letal McClane, de nuevo en el lugar equivocado y en el momento menos indicado.
Los tiempos han cambiado y los malos también. Ahora los terroristas no toman edificios a tiro limpio, ni siembran el terror en un aeropuerto (La jungla II: Alerta roja), ni destrozan las calles de Manhattan con sus bombas (La Jungla de cristal III: La venganza) sino que crean un absoluto caos pulsando un simple botón de ordenador. Sin embargo, John McClane no ha cambiado… al menos no demasiado. En La jungla 4.0 se echa en falta un poco del cinismo y mala uva que caracterizaba a su personaje principal en las anteriores entregas. Sin embargo, su capacidad tanto para repartir como para recibir estoicamente los mamporros de sus enemigos sigue intacta.
Con La jungla 4.0 Len Wiseman le ha dado a la saga una secuela más que digna y entretenida, en la que la acción no decae en ningún momento. Esta nueva entrega es un ágil, funcional, efectivo y trepidante divertimento muy bien rodado y que está repleto de todo tipo de persecuciones, peleas, explosiones, tiroteos y diálogos marca de la casa.

Cierto es que se le puede echar en cara a la película que caiga en algunos excesos (la escena del avión, por poner un ejemplo) y que la idea principal del guión se va diluyendo conforme la acción se va desarrollando, hasta quedar reducida a la mínima expresión. O que la violencia de las anteriores entregas se ha suavizado en esta cuarta entrega en aras de lo políticamente correcto. O bien que, por mucho que lo intente, como compañero de fatigas Justin Long no le llega ni a la suela de los zapatos a Samuel L. Jackson. Por no hablar ya de la absoluta falta de carisma del plano y estereotipado villano encarnado por un Timothy Olyphant que tiene que enfrentarse con la difícil papeleta de intentar estar a la altura de actores de la talla de Alan Rickman y Jeremy Irons.
Sin embargo, todo esto se puede dejar a un lado por el simple hecho de estar ante un film que logra entretener y divertir al espectador desde el primer hasta el último minuto. Algo que, tal y como está el panorama, no se encuentra fácilmente en la cartelera. Por eso y por tener la agradable ocasión de reencontrarnos con alguien que más que un personaje cinematográfico es ya casi un viejo amigo.

EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUVO ALLÍ

2007-08-24T15:44:00.001+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Joel Coen

INTÉRPRETES: Billy Bob Thorton, Frances McDormand, Michael Badalucco, James Gandolfini, Jon Polito, Scarlett Johanson, Tony Shaloub.

Desde sus inicios en 1984 con Sangre fácil, los hermanos Coen (Joel dirige, Ethan produce, el guión a cuatro manos) han sabido estructurar un universo propio tomando como base elementos ya conocidos tanto de la literatura como del cine.
Al igual que hicieran en su debut, para El hombre que nunca estuvo allí beben de la novela pulp de James M. Cain (El cartero siempre llama dos veces) para contarnos la historia de un aburrido barbero (Thorton) que ve pasar su anodina vida entre cortes de pelo, la inacabable verborrea de su cuñado y un matrimonio insatisfactorio. Todo parece cambiar cuando un charlatán tan falso como su peluquín (Polito) entra en su establecimiento y le ofrece formar una sociedad en un negocio de limpieza en seco. El barbero, que ve en ello su tabla de salvación, carece del dinero necesario, por lo que planea estafar al jefe de su mujer (McDormand), con el que sabe que tiene una aventura (lo que tampoco es que le importe demasiado). Sin embargo, cuando todo parece ir sobre ruedas, un acontecimiento inesperado hace que lo que se presentaba como un plan sencillo se complique totalmente.
Mientras que otros escritores de novela negra como HammetT o Chandler utiliza a policías o detectives como protagonistas de sus novelas, Cain escribe sobre hombre de la calle; gente normal que, por circunstancias, atraviesa una situación anormal. Aquí estamos ante lo que podría ser perfectamente una de las historias de Cain, pero tamizada por la personalísima visión de los Coen.
El hombre que nunca estuvo allí es una recreación del cine negro clásico, tanto en lo estético como en lo formal (adulterio, asesinato, chantaje, juicios, mujeres fatales) con el añadido de unas cuantas pinceladas de serie B sobre la histeria frente al peligro atómico o los extraterrestres. Todo ello salpicado por momentos de humor marca de la casa que surge por el patetismo de unos personajes tan reales como extravagantes.
Los Coen nos presentan aquí a un personaje impasible, hecho de silencios (casi siempre habla en off), de gestos pausados y eterno cigarro humeante. Es un pobre hombre con la palabra perdedor cincelada en cada una de las arrugas de su cara. Un simple barbero, apático e inactivo, que permanece impávido, imperturbable ante los acontecimientos y que sólo consigue reaccionar en el momento menos adecuado. Es un hombre que, a fin de cuentas, nunca ha estado, ni allí ni en ningún sitio, porque se comporta como un fantasma.
El film transcurre en consonancia con la forma de ser del personaje, con un ritmo pausado, casi lánguido, ayudado por la melancólica música de Carter Burwell y resaltado por una estupenda fotografía en blanco y negro.
Mención aparte merecen las interpretaciones de los actores, desde los principales (Thorton y McDormand bordan sus papeles) a los secundarios (sublime Tony Shalhoub) y la realización de los Coen, que firman una de sus más maduras e interesantes producciones.

LOS SIMPSON (LA PELÍCULA)

2007-08-02T23:56:00.000+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: David Silverman
VOCES (en la v.o.): Dan Castellaneta, Julie Kavner, Nancy Cartwright, Yeadley Smith, Hank Azaria, Harry Shearer, Kelsey Grammer, Joe Mantenga.

Tras dieciocho temporadas en antena, la familia más disparatada, satírica y disfuncional de la televisión (con permiso de los Griffin de Padre de familia) ha llegado recientemente a la gran pantalla con el fin de ampliar su radio de acción. Lo cierto es que era de extrañar que, teniendo en cuenta el éxito que sigue teniendo la serie creada por el dibujante Matt Groening y el productor James L. Brooks (director de films como La fuerza del cariño y Mejor… imposible) después de tantos años, Los Simpson no hubiesen llegado antes a los cines.
A pesar de que el éxito lo tienen más que asegurado, los creadores de Los Simpson se han tenido que enfrentar al mismo problema que han sufrido todas las adaptaciones de series a la pantalla grande: el metraje. Las historias que se cuentan en los escasos veinte minutos de rigor (treinta con la publicidad) tienen dificultades de aplicación a un formato como el cinematográfico que debe aproximarse a la hora y media. Encontrar el guión adecuado para que no parezca que nos encontramos ante un capítulo excesivamente alargado de la serie es todo un reto.
La pregunta que nos debemos hacer es: ¿lo han conseguido?. A pesar de que me duele el decirlo, la respuesta es que no.
No quiero decir con esto que el film no sea entretenido (que lo es) y que el paso de la serie al cine no sea lo suficientemente digno… pero, quizá sea porque el que escribe estas líneas es seguidor de Los Simpson desde casi sus inicios, parece que al film dirigido por David Silverman le falta el mordiente y la acidez necesaria para acercarse a su homónimo televisivo.
A pesar de que la primera media hora del film es dinámica, irónica y transgresora (desnudo frontal de Bart incluido), poco a poco su trama se va desinflando al decantarse por una trama de moraleja fácil en la que priman la familia y la defensa medioambiental (la sombra de Una verdad incómoda es alargada). Y ese es el problema. Los Simpson catódicos nunca han buscado premeditadamente agradar a todo el mundo y, sin embargo, se nota que los creadores de Los Simpson cinematográficos han desarrollado una historia con el fin de contentar al mayor número de espectadores posible.
Cualquier seguidor de la serie espera que Homer siga siendo el mismo descerebrado de siempre, al que le acaban saliendo las cosas bien por pura casualidad y no porque vea la luz de repente. A cualquier fan que se precie le gusta que en Los Simpson la irreverencia, la crítica y la sátira (tanto política como social) campen a sus anchas, que Bart siga haciendo el gamberro, que Lisa siga siendo tan repelente como inteligente, que Marge sea la conciencia de la familia, que Lisa siga sin decir palabra y que Homer… bueno, que simplemente sea él mismo. Y en Los Simpson (la película) encontramos todo esto... pero sólo en pequeñas dosis.

EL GUÍA DEL DESFILADERO

2007-07-26T23:21:00.001+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.
DIRECTOR: Marcus Nispel
INTÉRPRETES: Karl Urban, Russell Means, Moon Bloodgood, Jay Tavare, Clancy Brown, Nathaniel Arcand, Ralf Moeller, Kevin Loring, Wayne Charles Becker, Burkely Duffield.

En 1987 el director noruego Nils Gaup realizó la película Pathfinder, el guía del desfiladero. El film, que consiguió una nominación al Oscar, se basaba en una leyenda lapona en la que se relataba la lucha de un joven guerrero por salvar a su pueblo de la invasión de una tribu cruel y despiadada.
Vaya por delante el decir que un servidor no ha tenido la oportunidad de ver el film original en el que se basa Marcus Nispel para realizar El guía del desfiladero, por lo que no puedo hacer ninguna comparación entre ambas cintas. Sin embargo, tampoco hace falta ser un lince para darse cuenta de que Nispel utiliza sólo la idea central del film noruego para perpetrar su personal visión de la historia, adornándola de una estética fría con la que remarcar la brutalidad de las escenas.
Salvando sus diferencias geográficas, El guía del desfiladero narra prácticamente la misma historia: tras una incursión en América por parte de los vikingos, uno de los barcos naufraga y sólo se salva un niño de diez años que es acogido por una tribu india local. Al cabo de los años, ese niño se ha convertido en un guerrero más de la tribu, aunque los recuerdos lo atormentan. Los vikingos regresan, aniquilando brutalmente a todos, incluyendo a su familia. Este hecho reafirma su identidad como guerrero de su tribu y buscará venganza matando uno tras otro a todos sus enemigos.
Teniendo en cuenta que la sinopsis de la película se puede realizar con tan pocas palabras, podemos hacernos una idea de lo simplona que resulta El guía del desfiladero. Marcus Nispel, que dejó un relativo buen sabor de boca con su versión de La matanza de Texas (una aceptable revisión del clásico de terror de Tobe Hooper), firma aquí un trabajo pobre y casi sin alma en el que el sentido narrativo y el desarrollo de personajes brillan por su total ausencia.
Rodada casi a trompicones, la película es un compendio de despropósitos en el que no se puede destacar absolutamente nada salvo el hecho de que su metraje no se alarga más allá de la hora y cuarenta minutos. Aunque es de agradecer su afán por mostrar la crudeza de las luchas, las escenas de acción (el supuesto plato fuerte del film) están muy mal rodadas y su montaje las hace confusas. El guión es totalmente lineal, por no decir inexistente, con escasos diálogos que no aportan absolutamente nada. De las interpretaciones… es mejor no hablar.
En definitivas cuentas, El guía del desfiladero es un film rematadamente mediocre, aburrido y mal rodado que viene a confirmar que la tendencia del cine norteamericano de rehacer películas de éxito casi nunca da buen resultado. Las excepciones (haberlas haylas… como las meigas) se pueden contar los dedos de la mano.

TRANSFORMERS

2007-07-16T18:38:00.000+02:00

NACIONALIDAD: U.S.A.

DIRECTOR: Michael Bay
INTÉRPRETES: Shia LaBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel, Tyrese Gibson, Rachel Taylor, Anthony Anderson, Jon Voight, John Turturro, Kevin Dunn, Julie White, Michael O'Neill, Amauri Velasco

Pongamos las cartas sobre la mesa: para empezar estoy totalmente de acuerdo con que pretender buscar en una película como ésta similitudes con la Crítica de la razón pura de Kant es una soberana pérdida de tiempo. Transformers es un blockbuster, un revienta-taquillas para ver con los amigotes con unas palomitas en una mano y con un refresco en la otra. Sin embargo…
Pero empecemos por el principio. Para aquellos que no lo sepan todavía, los Transformers nacieron allá por los años ochenta de la mano de la marca de juguetes Hasbro y de ahí pasaron a los formatos de cómic y de serie televisiva de dibujos.
Fue Steven Spielberg quien adquirió los derechos para llevar a la gran pantalla las aventuras de estos robots alienígenas que se pueden convertir en cualquier objeto mecánico y traen a la tierra su guerra particular. Después de varios años intentando llevar adelante el proyecto, contactó con Michael Bay (Armageddon, Pearl Harbor), recién salido del merecido batacazo de La Isla, para que fuese el que dirigiese el film.
Evidentemente, y si a lo que le hacemos caso es a lo que la película lleva hasta ahora recaudado en taquilla, Transformers se puede considerar todo un acierto. Ahora bien, si nos atenemos a lo que podemos ver en la pantalla… la cosa cambia, y mucho.

¿Qué se puede esperar de una película así?. Recapitulemos: film basado en unos juguetes, que pasaron a ser serie de dibujos y que dirige un realizador que no es precisamente el hijo que Bergman siempre quiso tener. La respuesta es sencilla: un film excesivamente largo, entretenido en algunos momentos y que sólo puede resultar medianamente trascendente para los niños o para los espectadores de encefalograma plano.
Porque, seamos justos, la película sólo funciona un poco cuando no se toma a sí misma en serio y cuando sus actores y su director la ven como lo que es, es decir, una comedia muy costosa y con efectos especiales apabullantes.
Y es que, quitando en su parte central, en la que parece más una parodia que una película de acción y en la que sobresale la labor de sus actores (Shia LaBeouf es todo un descubrimiento y John Turturro está inmenso, como casi siempre), Transformers no es más que un espectáculo visual totalmente vacuo, en el que la falta absoluta de un guión en condiciones se hace tan patente que cualquiera con dos dedos de frente se pregunta al verla si de verdad le pagaron a los guionistas por escribir esos diálogos.
Pero, claro, volvemos al principio: si uno va a ver Transformers no quiere que le den una clase de filosofía, sino pasárselo bien. Pues yo añadiría otra cosa: sí, todos sabemos lo que vamos a ver, pero, al menos, esperamos que no nos tomen por idiotas.